A predominantly twenty-first-century, textual-visual practice in othering and versioning documents, erasure (arts and poetry) is the outcome of a variety of disruptive techniques such as black-out, white-out, or strike-through of segments of the "pre-text," text-that-is-already-there. Erasure thus bridges and separates the "original" (however we may define and understand the term) to and from the subsequent versions of the original that are erased out of it by the same or subsequent authors. A study of two single works of erasure by Niina Pollari and Jenny Holzer in order to showcase some of the ways creative works of erasure "version" documents and "splinter" archives, this essay examines erasure poetry and arts as a creative activist response to the documental crises of US empire in the present century.
In this interdisciplinary study, Henry Maguire examines the impact of several literary genres and rhetorical techniques on the visual arts of Byzantium. In particular, he shows that the literary embellishments of the sermons and hymns of the church nourished the imaginations of artists, and fundamentally affected the iconography, style and arrangement of their work. Using provocative material previously unfamiliar to art historians, he concentrates on religious art from AD 843 to 1453.
Fabricio Vaz Nunes, Anderson Bogéa, Luiz Carlos Sereza
Este artigo se dedica a expor algumas reflexões acerca das relações entre arte e jogo surgidas a partir da experiência de ensino remoto emergencial intitulada Jogos, Poéticas, Estratégias e Gameficação – JPEG, como parte do Campo Remoto, atividade remota emergencial desenvolvida no âmbito dos cursos de artes visuais da Universidade Estadual do Paraná – Campus Curitiba I, no ano de 2020, em razão da pandemia da Covid-19. Dessa experiência surgiu um projeto de extensão universitária chamado Fabrica Ludi, cujo objetivo é desenvolver jogos que têm por tema o universo das artes visuais. Tomando como ponto de partida as teorizações de Johann Huizinga (Homo ludens) e Roger Caillois (Os jogos e os homens) sobre os jogos, são estabelecidos paralelos com o conceito filosófico da autonomia da arte e com a presença da noção de jogo em pensadores como Friedrich Schelling e Ludwig Wittgenstein. A partir desse arcabouço teórico, são apresentados e discutidos dois jogos criados pela equipe do projeto Fabrica Ludi: The Artworld e Gira-gira da arte, em que os conceitos de "mundo da arte" de Arthur Danto e o de ironia como tropo formativo da historiografia, de Hayden White, são empregados para estabelecer situações de ludicidade.
The aim of the research was to assess the differentiation of the body structure and the level of motor potential of the athletes practising different disciplines in the field of combat sports in Legion Team Sports Club in Tarnów. The athletes, aged 19-20, with training experience of 3-5 years, were compared in two groups. The first group consisted of athletes practising mixed martial arts, so called MMA, and the other group, of athletes practising Brazilian ju-jitsu, so called BJJ. 30 practitioners were examined. The basic elements of the somatic structure, i.e. body height, body weight, body fat content and BMI were measured and BMI indexes were calculated. Selected manifestations of motor potential were also measured: static balance, plain reaction time to a visual stimulus, trunk flexibility, static strength of forearms, relative strength, explosive strength of lower limbs, MAW, muscle activation speed and resistance of abdominal muscles to fatigue as anaerobic strength. In the course of the analyses it was found that: the body structure of the athletes training in different combat sports sections does not significantly differentiate them. The athletes in both (BJJ and MMA) sections displayed a similar level of the basic somatic build. The level of motor skills in the BJJ and MMA sections significantly differentiated the athletes in these sections in terms of static strength (p = 0.045), relative strength (p = 0.044) and fatigue resistance, i.e. anaerobic strength (p = 0.002). The higher level of these elements of motor skills was demonstrated by the BJJ section athletes.
O filme documentário pode ser considerado a essência do cinema. Como destaca Penafria (1999), as primeiras imagens em movimento tinham como objetivo apenas registrar os acontecimentos da vida. O documentário assume importância antropológica e relevância em dimensão social e cultural, pela exposição e representação de realidades distintas e pela reflexão sobre a construção de identidades sobre territórios e os corpos que os habitam. Esta pesquisa foi desenvolvida com o objetivo de investigar dez documentários produzidos entre 2010 e 2016, no Rio de Janeiro (Brasil), sobre a temática “favelas”, para desenvolver uma reflexão e análise categorial sobre os aspetos relevantes de cada produção audiovisual e debater enfoques que representam a realidade dessas comunidades e de seus moradores. A análise permitiu promover reflexão sobre atores reais em seus contextos culturais, as próprias representações da realidade e construção de identidades. Os filmes evidenciam a relação dos protagonistas com os filmes, as participações na conceção dos documentários, a relação entre homem e território, as experiências e vivências dos moradores e suas múltiplas atuações. O caráter participativo das produções permite refletir sobre a autorrepresentação dos moradores das “favelas” e sobre o documentário enquanto instrumento de mobilização social que ultrapassa barreiras urbanísticas e promove [...].
Este trabalho trata-se da transcrição de uma entrevista cedida pela atriz e palhaça Luciana Viacava, bem como de uma apresentação de sua pessoa artística e sobre sua instituição de trabalho, a Organização Não Governamental (ONG) Doutores da Alegria. Na entrevista a artista reflete sobre seu processo como palhaça que atua em contextos hospitalares. Quais são os desafios desta contemporânea e crescente manifestação cênica? Quais são as diferenças e semelhanças entre a atuação das palhaças e dos palhaços no contexto hospitalar e em outros espaços da sociedade? Essas e outras questões são abordadas por Luciana Viacava, que ao tecer estas palavras, teve como pano de fundo as suas experiências pessoais enquanto palhaça e artista da comicidade, o seu mundo vivido.
L’erotismo e la rappresentazione della sessualità e delle dinamiche dell’intimità della vita di coppia hanno accompagnato il cinema di Ingmar Bergman fin dalle sue prime prove registiche, divenendo nel corso del tempo una delle cifre tematiche in cui riconoscere la volontà di porre in essere attraverso il medium cinematografico una consapevole riflessione sul sesso inteso anche come paradigma di confronto tra individui. Sesso ed erotismo non con minor rilievo e significato si pongono accanto alle grande meditazioni metafisiche sul senso dell’esistenza, sulla difficoltà di comunicazione tra gli esseri umani e sul cosiddetto silenzio di Dio. Se questi ultimi temi sono fin da subito accettati e discussi dalla critica italiana nel momento in cui, alla fine degli anni ’50, i film del regista vengono distribuiti nel nostro Paese, divenendo paradigmatici di un discorso che innerverà tutta la riflessione sul cinema bergmaniano negli anni a venire, a una più attenta analisi l’erotismo che permea queste opere viene accantonato o, al massimo, inteso in una dimensione ancillare.
Eroticism, as well as the representation of sexuality and dynamics of intimacy in the lives of couples, inhabited the cinema of Ingmar Bergman from his very first experiments in direction. With the passing of time they became a thematic key, through which we can perceive the desire to negotiate, through the cinematic medium, a conscious reflection on sex, intended moreover as a paradigm through which individuals relate to one another. Significantly, sex and eroticism are situated alongside major metaphysical meditations on the meaning of life, the difficulty of communication among humans, and the so-called silence of God. While the latter themes were immediately accepted and discussed by Italian critics from the moment, at the end of the Fifties, when the director’s films were distributed in Italy, becoming paradigmatic of a debate that went on to animate every response to Bergman’s cinema in the years to come, a more attentive analysis of the eroticism that permeates these works was nevertheless foregone, or at best implicit in an ancillary dimension.
Con las limitaciones redentoras y moralizantes propias del franquismo, y las derivadas de la censura existente en aquellos años, la película española Mercado Prohibido (Xavier Setó, 1952) se nos presenta como una interesante fuente para analizar el problema del contrabando de antibióticos durante este período. Las referencias a este asunto son abundantes y muy explícitas: necesidad de conservar estos productos en ambiente refrigerado, lugar de procedencia de estas sustancias (EE.UU.), principales antibióticos existentes en torno a 1951 (penicilina, estreptomicina y cloranfenicol), existencia de robos de antibióticos en hospitales, así como de adulteraciones y falsificaciones, o claras alusiones a las políticas españolas promovidas con el ánimo de acabar con este mercado ilícito, en concreto las relativas a la fabricación de antibióticos en España, circunstancia que queda claramente explicitada en este largometraje, y que parece querer ser utilizada como herramienta propagandística para tratar de mostrar las excelencias de nuestro progreso industrial y de nuestro modelo de economía autárquica.
O objetivo deste artigo é analisar a atividade cinematográfica e as dificuldades enfrentadas pelos cinegrafistas e produtores de filmes que atuavam em São Paulo nas décadas de 1920 e 1930. Nesse período, a produção fílmica não ficcional, conhecida como natural, se intensificou. Isso ocorreu, em parte, para atender a uma demanda de propaganda do governo e de uma elite econômica que tinham necessidades de registrar símbolos e práticas de poder. Partimos da experiência e dos saberes de alguns cinegrafistas brasileiros e estrangeiros para identificar referenciais técnicos, culturais e sociais pontuados em alguns filmes aqui apreciados. Entrevistas, relatos, memórias, sequências de filmes, críticas e textos de jornais e revistas forneceram pistas para seguir os percursos desses cinegrafistas, muitas vezes chamados pelos críticos da época como “cavadores”. Confrontamos os discursos dos críticos e dos próprios cinegrafistas para entender a formação do cinema em São Paulo e, ao mesmo tempo, identificar as dificuldades técnicas, perpassando pela ausência de financiamento sistemático até a falta de mercado distribuidor.
La pícara Justina de Francisco López de Úbeda offre une explosion de virtualités textuelles. La fragmentation constitue l’une des caractéristiques formelles fondamentales de l’œuvre, véritable corpus de poèmes, de textes en prose, de paragraphes conclusifs moralisateurs, de notes à la marge ; autant de formes d’écriture combinées entre elles en un puzzle singulier. Nous explorons les notes marginales en tant que fil d’Ariane dans le labyrinthe de l’œuvre. Son histoire éditoriale permettra d’apporter un éclairage génétique aux notes. La présence des marginalia dans toutes les éditions du livre place l’autoréflexion au centre de la composition rhétorique de l’ensemble. L’instance narrative qui produit l’ensemble des textes apparaît de manière multiple, comme en diffraction. L’effet de style que produit l’inclusion des annotations, partie intégrante de l’œuvre, invite par ailleurs à considérer leur motivation au second degré : elles constituent un reflet du caractère marginal de la substance narrative. Ainsi s’offre-t-elle au lecteur s’il se montre disposé à mettre en question le caractère linéaire de la lecture.
Este documento presenta una reflexión surgida de la necesidad de promover en las dinámicas educativas la incorporación de prácticas que articulen las TIC y las lógicas del entorno digital. El texto inicia proponiendo la modernidad, la postmodernidad y la transmodernidad como momentos sociales que han aportado, cada uno, desde su forma particular, a la configuración del momento histórico actual, del cual se destaca internet como plataforma para la comunicación y repositorio para la producción de contenidos y la convergencia mediática. Paso seguido, se definen y explican las características y los elementos constitutivos de la narrativa transmedia. El tercer momento describe las observaciones hechas dentro de un espacio de experimentación en torno a la incorporación de tecnologías a las dinámicas de la práctica docente. Por último, se presentan conclusiones y recomendaciones surgidas de la aplicación transmedia a la producción de contenidos educativos.
The customary practice across both feature-length cel-animated cartoons and television animation has been to cast adults in the vocal roles of children. While these concerns raise broader questions about the performance of children and childhood in animation, in this article I seek to examine the tendency within computer-animated films to cast children-as-children. These films, I argue, offer the pleasures of “captured” performance, and foreground what Roland Barthes terms the “grain” of the child’s voice. By examining the meaningless “babbling” and spontaneous vocalisations of the aptly-named child Boo from Pixar’s Monsters, Inc. (2001), this article offers new ways of conceptualising the relationship between animation and voiceover, suggesting that computer-animated films celebrate childhood by emphasising the verbal mannerisms and vicissitudes of the unprompted child actor. The calculated fit between the digital children onscreen and the rhythms of their unrefined speech expresses an active engagement with the pleasures of simply being young, rather than privileging growing up. Monsters, Inc. deliberately accentuates how the character’s screen voice is authentically made by a child-as-a-child, preserving the unique vocal capabilities of four-year-old Mary Gibbs as Boo, whilst framing her performance in a narrative which dramatises the powers held within the voice of children.
Siguiendo un estudio previo de Efraín Castro, Rogelio Ruiz Gomar ofrece noticias biográficas claras sobre los descendientes del maestro escultor sevillano Diego Ramírez. Las confusiones entre el arquitecto, escultor y entallador Pedro Ramírez y su hijo homónimo de oficio pintor (muertos ambos en 1679, con unos meses de diferencia), se desvanecen de manera contundente. Lo mismo que se aclaran los nexos de parentesco con el ensamblador y entallador Laureano Ramírez y el acuñador José Ramírez. Y aunque tales noticias vienen simplemente a corroborar o completar lo ya apuntado por Castro Morales utilizando diferentes fuentes, también aportan nuevas luces que permitirán llenar las lagunas que quedan todavía sobre las biografías de estos artistas, lo mismo que permitirán afinar las relaciones dadas en el seno mismo de la familia Ramírez y conocer mejor los vínculos que fueron tejiendo con distintos miembros de la sociedad novohispana de su tiempo.