La pintura digital, esto es, la creación de imágenes en soporte digital con fines funcionales similares a los de la pintura convencional, está vinculada a la aparición de aplicaciones de gráficos para ordenadores personales. Cuando en el año 1984 Apple Computer lanza su aplicación MacPaint, usuarios y artistas ganan acceso masivo a la imagen sintética, cambiando el paradigma.
Al estudiar los orígenes del medio, son escasos los ejemplos que se conservan realizados en el contexto de la indagación artística, más allá de los procedentes de la incipiente industria del videojuego, donde encontraría su desarrollo natural. Este condicionante nos permite pensarlos como un fenómeno artístico al margen, con especificidades técnicas y de origen, en contraste con el canon pictórico dominante.
En este marco, estudiamos la recuperación de una obra digital del pintor e ilustrador Jean Giraud “Moebius”, realizada por la Universitat Politècnica de València en colaboración con el festival de cultura y creación digital ArtFutura. A partir de dicho análisis, se propone una visión ampliada del autor, un recorrido técnico y simbólico por el proceso de restauración; una aproximación a los orígenes de la pintura digital y una reflexión fenomenológica al respecto de este medio minorizado por el discurso artístico común
By 1973, when the SNTPCT (Syndicat National des Techniciens et des Professionnels du Cinéma et de la Télévision) incorporated a newly-created animation section into the union, the French animation sector was still extremely fragmented and under-structured, in spite of the efforts made by various parties to ensure its cultural, institutional and economic existence. The transitional period then underway seems to be as much about rethinking the economic model as it is about the gradual, trial-and-error constitution of a professional world with its own tensions, issues and logics. From this point of view, starting in the middle of the 1970s, the debates surrounding the introduction of a collective agreement specific to the animation industry provide an excellent opportunity to observe the mechanisms at work in the emergence of socialization circles that lead French animation professionals to think of themselves collectively as a group, if not a profession. The emergence of this new understanding of the animation industry in the context of French production is explored using documents, especially union archives, that trace the various negotiations involved in setting up a collective agreement for the animation sector, a text that was ultimately adopted only in 2004.
O texto que aqui apresento é fruto de pesquisa desenvolvida como parte de minha tese de doutoramento, intitulada Escarificações: espaço-corpo-memória na literatura e nas artes visuais angolanas (2001-2020) (Rodrigues, 2022). Partindo de um mapeamento realizado no ano de 2019, em Luanda, capital de Angola – o que incluiu caminhadas pelas ruas da capital do país e arredores, visitas a espaços culturais, vivências comunitárias, conversas e entrevistas com escritores, artistas, curadores, pesquisadores, professores, ativistas, etc. –, teço algumas reflexões sobre avanços e desafios que se colocam à cultura, à arte angolana contemporânea e aos seus atores e agentes, tanto no cenário local (pós-independente, pós-guerra civil e pós-socialista), quanto no contexto global. Destacando eventos fulcrais, como a criação da Fundação Sindika Dokolo e a realização da Trienal de Luanda, na primeira década do século XXI, os quais foram responsáveis por introduzir o país no contexto internacional das artes (dentro e fora do continente africano), apresento dilemas e ações culturais protagonizadas por artistas e outros agentes da sociedade civil inseridos numa capital marcada por séculos de colonialismo português, por cicatrizes da Guerra Fria em solo nacional e pelo sistema-mundo uno e desigual (Wallerstein, 2005), inclusive no campo da cultura.
This article, derived from my forthcoming book, examines how the irrational was represented through the juxtaposition of Dionysus and Apollo. Ever since Nietzsche’s Geburt der Tragödie, the polarity of the two gods has been codified in Western culture. However, while their discrepancy as opposites has been widely appropriated, little attention has been given to their similarities which can be found in classical art and literature and again from the Renaissance onwards, when Plato’s praise of “madness” was rediscovered, and images of Dionysian character were re-produced. This article briefly traces back the roots of Nietzsche’s ideas and confronts these with examples from the visual arts. It also re-considers the ancient Dionysus and his transformations across time, investigating which aspects of the god were favoured versus others. Bacchus, “id est vinum” recited a popular formula, but from Michelangelo to Caravaggio and beyond, this was not the only Dionysian guise to be known. While often depicted as a merrymaking god of nature, darker aspects could be chosen. It is the madness and disorder, as well as the reasons for their revelation (or omission) that are explored, in the belief that these provided the sources for Nietzsche’s dualistic formulations and many a modern “coniunctio oppositorum”
History of scholarship and learning. The humanities, Fine Arts
As experiências com o uso dos recursos visuais nas aulas de artes podem ser fomentadoras de inúmeras descobertas e conhecimentos, possibilitando a promoção de amplos diálogos e reflexões entre professores e alunos, principalmente no que se refere à compreensão da importância das imagens na arte e sua relação com a vida dos estudantes. Objetivando problematizar e refletir acerca das percepções vivenciadas pelos alunos, após relacionarem-se com imagens de obras procedentes de uma mostra artístico artesanal, a presente proposta se estabelece. Ela tem origem a partir de um conjunto de atividades desenvolvidas com estudantes do Ensino Médio / Secundária de duas escolas de países diferentes, sendo esse um dos desdobramentos de um projeto que tem nas artes e nas artesanias seu foco principal. Intitulado “ARTESANeando Identidades”, apresenta práticas artísticas realizadas em sala, articuladas com base em cinco obras selecionadas da mostra “TEIXINT IDENTITATS”, ocorrida em Barcelona (ES) de outubro de 2019 a janeiro de 2020. Por meio desse projeto, outras iniciativas foram propostas e resultaram em narrativas dialógicas que buscaram estabelecer conexões reflexivas entre as imagens e os contextos docentes e discentes, gerando inferências nas suas trajetórias de vida, as quais motivaram o conteúdo que apresentamos para esse artigo.
Before visual art students graduate and join the field they need to know about the career path options. There are no clear routes to success as there are in other careers where education and accolades can lead to success both personally and financially. The purpose of this study is to explore three specific career paths (gallery representation, residencies and freelance work) and how they can or cannot benefit the individual arts graduate. Through a survey, this study gathers qualitative and quantitative information from over 80 visual arts graduates at all stages in their career in regards to their personal paths, income and perceived successes. Freelance was found to be the most beneficial path but key data proved it is not without its setbacks. Additionally, more paths arose throughout the study as being greater opportunities as well such as in-house agency work.
Студия на Поварской (Театр-студия на Поварской), возникшая при Московском Художественном театре, была создана в мае 1905 г. усилиями одного из его руководителей, К.С. Станиславским, и актером В.Э. Мейерхольдом. Н.Н. Сапунов, как нельзя более, был уместен в новой Студии, которая нравилась ему своими постановочными идеями и планами, намеченным репертуаром, в котором главная роль отводилась драматургам – неоромантикам и символистам, поисками новых форм для его сценического осуществления, стремлением к созданию новых принципов театрального искусства. После закрытия студии в октябре того же года, В.Э. Мейерхольд получил приглашение от В.Ф. Комиссаржевской работать в ее театре, который стал центром притяжения новых сил русской культуры. Это предложение было принято режиссером. В.Ф. Комиссаржевскую и В.Э. Мейерхольда объединяло огромное желание прекратить со сценическим бытовизмом и натурализмом, обрести новые театральные формы. Такому мастеру, как В.Э. Мейерхольд, обладавшему удивительным даром зрительно-пластического видения спектакля, нужна была на сцене выразительность настоящей живописи. В театр В.Ф. Комиссаржевской он привлек молодых художников, Н.Н. Сапунова, С.Ю. Судейкина, Б.И. Анисфельда, и не принадлежавшего к этому кругу, но близкого им, В.И. Денисова. Талантливые живописцы, эти молодые мастера были неопытны в вопросах сценической техники, разрешения пространственных задач. Но это и не требовалось В.Э. Мейерхольду. Он освободил декораторов от кропотливой и тщательной работы с макетом и ориентировал их на решение спектакля в чисто живописном плане. В мейерхольдовский период, который длился с 1906 по 1907 гг., в театре В.Ф. Комиссаржевской ведущими художниками были неразлучные друзья Н.Н. Сапунов и С.Ю. Судейкин – ученики К.А. Коровина. В их сценической живописи возникали образы символистской поэтики с ее недосказанностью, туманными грезами и призрачной мечтательностью. Она становилась невесомой, воздушно легкой либо декоративно острой, возбуждающей, построенной на неожиданных сочетаниях изысканных колористических созвучий цвета. В данной публикации автор, основываясь на изучении архивных и библиографических источников, анализирует живопись Н.Н. Сапунова, которая поражает своей удивительной красотой и гармонией, неизбывной декоративной фантазией. Мастер был способен, уйдя от натуры, преображать все видимое, – природу, предметы, – в мир красоты, волнующей, манящей, одушевленной и порою таинственной. Прослеживается творческий путь Н.Н. Сапунова, в таланте которого с его неисчерпаемой декоративностью В.Э. Мейерхольд распознал еще одну особенность дарования мастера – острую ироничность гротескного видения.
En tiempos catastróficos, el cultivo dulce de la tierra podría ser una de las formas en que “atendamos” el suelo y planteemos una comunión con el cosmos para representar la posibilidad de sobrevivir como humanidad. En este artículo propongo la noción del jardín medicinal como metáfora para cuidar el suelo con cuidado. Los conceptos de Heidegger techné y poiesis en su ensayo La pregunta sobre la tecnología y su comparación entre el pensamiento y la artesanía en Lo que llama al pensamiento son la base de esta metáfora. Argumento que el “atender” a la tierra, con muy poca intervención del aparataje tecnológico, en las formas con que las comunidades amerindias lo hacen, propone otra forma de cuidado que es, en sí misma, poética, teniendo en cuenta el hecho de que techné en el concepto de Heidegger no es tecnología, sino poiesis.
<br />Lithography was created as a result of the development of literacy and the need for access to cheap reading sources affordable to everyone. The illustrations of the lithographed books, as a medium for the portrayal of popular art, add social aspects to Persian art. The question to be addressed in this research is whether the lithographed copies of Tuhfat Al-Majalis, those set of angels present in similar locations within the content are illustrated in a similar way? To this purpose, two aspects of the same subject, i.e. presence in a one particular miraculous situation and also performing one particular role, will be reviewed in different lithographed copies of Tuhfat Al-Majalis, available in Tehran public libraries. The reason for choosing this book for examination is that the book discusses miracles performed by the holy men and thus, opulent with imaginary beings, including angels. <br />In order to reply the research question, data has been collected from library resources and studied using descriptive-analytical method. <br />The paper begins with a brief introduction on the concept of angles and the bibliography of lithographed copies of Tuhfat Al-Majalis gathered from Tehran public libraries, would be represented. Subsequently, 22 copies of Tuhfat Al-Majalis will be presented among which, 8 ones are illustrated and 14 ones are non-illustrated lithographed copies. Then, through reviewing the table of the angels illustrated in these copies, a classification of angels into four groups would be presented. Eventually, through visual analysis of the angels illustrated in 'bidding farewell to Fatima (s)' and those portrayed performing the role of the savior angel, the paper concludes that the angels illustrated in one particular miraculous situation, are of diverse types and performing one particular role doesn't necessarily lead to the similarity of form in angels performing the same functions.
This article reviews Susan Carlile's recent biography of Charlotte Lennox, Charlotte Lennox: An Independent Mind. Because much of Lennox's life story, and many of her works, remain mysterious to contemporary readers, Carlile's work highlights some unique and important aspects of the life of a - at least in the eighteenth- and nineteenth-centuries, a celebrated literary minds. Carlile's work is an important and necessary addition to the study of women's writing in the period, and contributes a great deal to those studying the works of Charlotte Lennox.
Este artículo hace una interpretación de la instalación Paracaidista Av. Revolución 1608 bis, del artista mexicano Héctor Zamora, realizada al exterior del edificio del Museo de Arte Carrillo Gil en 2004, con su contexto urbano como punto de partida. En éste se señala el contraste entre imagen y cuerpo mediante la conju-gación entre el emplazamiento de la fachada del edificio y el uso de la instalación como vivienda; se considera la fachada como una zona destinada principalmen-te a la imagen, de manera que el habitar se activó como una interrupión visual al condicionamiento perceptivo de la urbe, que encuentra este tipo de superficies ocupadas por la publicidad. Se propone así que la intervención realiza una interferencia por medio del cuerpo que habita, y señala un vacío vertical al que no es capaz de sustraerse como imagen ni como ficción.
En su estudio, Introducción a la Bildwissenschaft, Gustav Frank y Barbara Lange presentan el estado de la Bildwissenschaft, una disciplina cuya constante construcción se ha enriquecido con planteamientos y sugerencias provenientes de diversas posturas y atendiendo a variadas interrogantes. La obra presenta la problemática actual de la Bildwissenschaft, así como reflexiones respecto al discurso historiográfico del arte, básicas para el historiador contemporáneo en el estudio de la imagen que abarca no sólo las tradicionalmente denominadas imágenes artísticas. La Introducción a la Bildwissenschaft, conjuga teoría e investigaciones a partir de ejemplos culturales, articulación que la vuelve sumamente inteligible, y la constituye como una obra de gran utilidad para el estudioso de la imagen y la cultura.
Mayara Ramos, Isis Bastos Teixeira, Tamine Saccomori Lopes Dal Mago
et al.
O presente trabalho apresenta o teste de usabilidade de um controle remoto com usuários adultos jovens. O objetivo desse trabalho é observar a interação dos usuários com o objeto de estudo, com foco no desempenho do individuo ao realizar a tarefa. As métricas de desempenho analisadas foram tempo de realização da tarefa, sucesso da tarefa, número de erros e número de posicionamentos necessários para realizar a tarefa. Os resultados foram comparados entre homens e mulheres para avaliar se existe diferença no desempenho entre gêneros. A análise estatística dos dados demonstrou que homens e mulheres jovens não apresentam diferenças estatísticas significativas.
Le style d’Araki se caractérise par un usage massif de la double-page, loin de l’usage ponctuel que l’on trouve habituellement dans les shonen. Elle témoigne d’une forme d’ubris qui se fait norme de composition c’est-à-dire qu’elle érige le principe de débordement en règle de structuration de l’action et des planches Elle est ainsi la marque de la démesure d’un auteur qui, sous l’apparence du manga populaire, et à travers les codes de ce dernier, élabore une œuvre d’une puissance et d’une sophistication rares..<br /><br />Pour appréhender ce phénomène, il nous faut d’abord observer concrètement l’usage que fait Hirohiko Araki de la double-page, les lieux du récit que celle-ci investit, la fréquence de ses manifestations, et la manière dont elle caractérise les différentes parties de la saga Jojo’s bizarre Adventure. L’ubris de la double-page met alors particulièrement en relief deux éléments centraux de la poétique d’Hirohiko Araki : le corps et le temps. La double-page apparaît comme la réponse matérielle à ces corps qui débordent de la page classique, qui éclatent ou se dispersent de telle sorte que l’auteur doit étendre les limites de ce cadre pour les représenter. Le temps entre lui en scène à travers le détail : la double-page devient le règne d’un détail sur lequel le lecteur passe trop vite et auquel le héros accorde toute son attention. Enfin, la double-page possède chez Hirohiko Araki une dimension proprement esthétique que révèle clairement l’usage presque absolu qui en est fait dans la septième partie de Jojo’s bizarre Adventure, Steel Ball Run, et dans le volume Rohan au Louvre, même si l’on peut la deviner déjà auparavant. La double-page est un moment où l’énigme se présente au héros, se met en mouvement ou se trouve élucidée. Le règne de l’ubris s’affirme là, dans ces doubles-pages qui n’en sont finalement plus, dans cette composition totalement affranchie qui paraît avoir pris comme norme les deux planches en vis-à-vis, choisissant de les découper comme bon lui semblait, autour ou en travers de la démarcation centrale.