The relationship between circus schools in Brazil and the training of artists who perform in street and open spaces was the goal of this study. Five schools were analyzed through a review of pedagogical programs, interviews with teachers and coordinators, and a questionnaire completed by former students. Despite the recognition of the street as a relevant space for performing and its high demand, there is no systematic approach aimed at developing specific skills for street circus performance, suggesting the institutionalized absence of this know-how in the training provided by the schools studied.
Ana Carolina Castro Malcher, Almir Ribeiro da Silva Filho
O leque de plumas é um objeto imemorial presente não apenas na arte, mas na história da humanidade. Dentro do teatro burlesco sua função é ocultar para, em seguida, revelar. Assim, o leque assume um papel de síntese do próprio jogo burlesco, cujo próprio nome define sua linguagem: a burla. Associada a essas questões de linguagem, este artigo coloca seu foco principal sobre as questões históricas da nudez feminina sobre o palco. E como território de reflexão e experimentações, trago minha experiência pessoal, de uma linhagem de três gerações de artistas mulheres, em Belém do Pará. A partir dessa conjunção de temas sobre a qual havia me debruçado em minha dissertação de mestrado, avancei alguns passos para questionar a contemporaneidade dessas reflexões no cotidiano de uma artista burlesca – com leques nas mãos – em nosso país. E também discutir: Ainda existe algo para ser revelado na dança com leques de plumas no burlesco?
Recensione del progetto Beyond the Borders ideato dalla compagnia Instabili Vaganti, in collaborazione con L’arboreto – Teatro Dimora, La Mama Umbria e ATER Fondazione e con diversi partner esteri.
Na pintura Children´s Plays (Pieter Bruegel, The Elder / 1525-1569) o artista renascentista fez o inventário de oitenta jogos. Este é um modelo da maior grandeza, ancorado que está na ancestralidade. A alegoria, tanto em suas manifestações iconicas quanto literarias traz um grande potencial para a construção de metáforas frente às crescents ameaças que assolam a humanidade. A abordagem através de procedimentos de caráter coral e natureza ludica pode abrir novamente uma vertente poderosa para a Pedagogia das Artes Cenicas. Os procedimentos de encenação serão sempre novos, na mesma medida em que identidades se constituem continuamente e as formas que os jogos teatrais assumem são polifônicas. O registro da encenação que descrevo almeja mostrar como foi o processo de ensino/aprendizagem, na esperança que esse patrimonio de cultura oral não seja esquecido no futuro que nos aguarda.
Palavras-chave
Pedagogia das Artes Cenicas. Alegoria. Jogo Teatral.
Artivism has become a central element of political change in Chile. In 2019, during the October Chilean social outbreak, performing arts were an important part of public expression. This paper explores the role of flash mob as a form of Artivism in Chile from an interdisciplinary approach combining literature from Theatre Studies and Studies of Social Movements. Albacan proposes that flash mob turn out to be performative acts that reconnect individuals with their community in a cooperative, creative and playful way. Flash mob challenges the street routine because happens in a short, specific interval of time. Probably the most emblematic Chilean flash mob was A rapist in your path created by the collective Las Tesis. The intervention, inspired by the work of renowned feminist Rita Segato to create a performance that would show rape not just as a crime against an individual woman, but as the expression of a larger social issue.
Ao partir da problematização de dizeres naturalizados no que tange à função-docente, articulados a atuais discussões sobre a Base Nacional Comum Curricular (BNCC), a presente reflexão intenta ensaiar a função professor de teatro pela perspectiva de um professor-narrador: figura que ao narrar o mundo integraria a ele as gerações vindouras. Participa desta discussão os temas da tradição, da autoridade e da responsabilidade no campo educacional, debatidos por Hannah Arendt, a função do narrador, rememorada por Walter Benjamin, assim como as ideias de governo e de atitude crítica, legadas pelo pensador francês Michel Foucault. A armação argumentativa da reflexão, desafiando-se a uma abordagem outra do professor de teatro, dialoga com referências exógenas às práticas teatrais e educacionais: o filme Teorema, do italiano Pier Paolo Pasolini, e a obra literária Fahrenheit 451, do norte-americano Ray Bradbury.
Palavras-chave
Função-Docente. Professor-Narrador. BNCC. Pedagogia do Teatro.
Embora os estudos de genética teatral já tenham comprovado o seu valor no estrangeiro e tenham aberto novos caminhos para a colaboração entre investigadores e artistas, estudos com esse impacto são praticamente inexistentes em Portugal. Este ensaio é resultado de uma colaboração com o Teatro O Bando, com o objectivo de aprofundar a análise de seu processo criativo. Aqui, está em foco o trabalho em torno da criação de O Inferno, dirigido por João Brites. Trata-se de identificar as diferentes etapas do processo no nível da direcção dos actores e das fases do training que resultam de um método instaurado pelo encenador há vários anos e que ele denomina a consciência do ator.
Janet O’Shea (University of California – UCLA, Los Angeles, Estados Unidos da América)
Este ensaio problematiza o termo decolonização aplicado aos currículos de dança e performance no ensino superior. Para tanto, utiliza o argumento de Eve Tuck e K. Wayne Yang (2012) de que a colonização está enraizada em uma visão de mundo que considera os seres como coisas passíveis de exploração. Também examina os esforços para promover a diversidade na formação, coreografia e conhecimento em estúdio e a precarização do trabalho nos departamentos universitários. O ensaio reflete sobre a estrutura da universidade como ente colonial e empresarial, apontando sua relação com a precariedade do neoliberalismo. O artigo é concluído ao sugerir que o conhecimento e o ensino das artes e das humanidades criam oportunidades para maneiras alternativas de viver e interagir para além de paradigmas neoliberais e neocoloniais.
O formato do texto curto foi proposto em 1842, nos EUA por Edgar Allan Poe e adotado por Anton Tchecov, que acreditava que o tempo era do trem veloz. Assim, o novo formato constituía-se a partir de um fato sem interpretação, sem retórica excessiva e com a maior honestidade possível. Produzir um texto curto para teatro requer a consciência de que, talvez, não seja possível imprimir neles, a marca dos grandes personagens e a opção por menos homem e mais humanidade. O texto curto descreve primeiro o homem e, então, o seu reflexo de humanidade. Ao dedicar-se ao texto curto, o autor tem que estar preparado para fazer opções dentro de limites muito estreitos. A opção mais importante para o desenvolvimento desta estrutura é a escolha do momento a ser capturado entre inúmeros outros, se formos considerar toda a biografia disponível do personagem. É neste curto período de tempo/narrativa que a história acontecerá. Esta opção deve estar profundamente conectada com aquilo que é característico, individual e original naquele personagem, alem de apresentar personagens profundamente biográficos. O presente deve estar impregnado de passado e de futuro. O texto curto para teatro se confunde com o conto literário, no tanto de impacto e no grau de ressonância que causa. O conto é levado para a cena, dentro do contexto do teatro pós-dramático. Os textos curtos produzidos especialmente para a encenação são aqueles textos escritos para serem ditos. Para serem ditos por um ator.
Recensão a
Tiago Rodrigues, Três dedos abaixo do joelho / Tristeza e alegria na vida das girafas / Coro dos amantes, Posfácio de Fernando Matos Oliveira, Coimbra, Imprensa da Universidade de Coimbra, 2013, 120 pp.
This text covers the concepts of body and embodiment, creating a lexicon of words serving as instruments to think about the latest theatre studies. It discusses the distinction between body and flesh and their theoretical-practical combination in the notion of embodiment. Likewise, it is supported by works by Marcel Jousse, Richard Schechner, JeanMarie Pradier, among others, to extend the spectrum of possibilities of thinking about the body in the contemporary scene. Connections are made between Neurosciences, Ethnoscenology and Performance Studies, in particular from the concept of mirror neurons as an embodied simulation of actions and intentions, showing possibilities to expand theatrology by including the study of the relationship between actor and spectator in an interdisciplinary perspective.