Hasil untuk "The performing arts. Show business"

Anar Karibaevna Yeshmuratova , Bakhty Botagoz Ermuratqyzy

This article explores the role and significance of historical dramatic productions in society. The author analyzes the plays Bopai Khanum, The People Who Fled from Altai, and Saken –the Falcon staged on the Kazakh theater scene, aiming to reveal their historical and educational value. The interconnection between theater and society is highlighted, emphasizing the role of historical drama in shaping national consciousness. The article examines aspects such as the spiritual impact of theater on the audience, the strengthening of patriotism, and the revival of historical figures’ legacies. It is noted that these productions depict the hardships and historical events experienced by the Kazakh people in past centuries. The author also focuses on the role of directorial decisions, acting, and stage design in conveying historical content. Furthermore, the importance of historical productions in preserving language, culture, and national values is specifically emphasized

Katherine Behar, David Cecchetto

This article considers the silencing of smartphones to trace a shift from a culture of distraction to one characterized by pervasive interruption. Specifically, we interpret the silencing of phones—once symptomatic of diversionary pings that targeted an attentive user—as signaling an internalization of the sonic ecology of their alerts. This shift manifests in a relentless bureaucratic friction in the digital ecosystems of which we are (unavoidably) a part, one that puts interruptive focus to work in an extractive register.

Barbara Osterloff

This article discusses the volume Było, minęło... Wspomnienia [Gone is gone... Memoirs] (Warsaw 2020), comprising twelve texts by Bohdan Korzeniewski, with a foreword by Anna Kuligowska-Korzeniewska and an afterword by Andrzej Kruczyński. Open to the generic diversity of autobiographical writing, the book arranges individual texts according to the chronology of the events they recount. Its great meta-theme is the genealogy of Polish intelligentsia: the image of a generation for whom World War I, the revolution, and Poland’s regaining of independence were formative experiences, one that entered adulthood in independent Poland and was raised with a sense of mission. Bohdan Korzeniewski (1905–1992) describes his younger years in the interwar period, his experiences during the war and occupation (in the outstanding “Auschwitz diptych”), and the post-war years. Although it brings together known texts, written in the second half of the last century, the volume shows that they are worth re-reading, especially for their literary value. Korzeniewski’s memoirs read like a fascinating autobiography (and self-creation) of a Polish intellectual, an eyewitness to the history of the 20th century, who gives us an account of his struggles with the world and with himself that together form a record of human existence.

Rajni Shah, Omikemi, Fili 周 Gibbons

In this final episode of the podcast, released under the full moon in Scorpio, Rajni Shah and Omikemi engage in a long, slow, deep conversation, in which they reflect on the entanglements between the felt world of lived experiences and the systems within which we live our lives. Infused by the sounds and shapes of the ocean, this episode feels intimate and visceral – and perhaps more than any of the others, like an invitation to eavesdrop on a conversation between friends. In the accompanying offering, Omikemi invites listeners to spend time with a question that was present for them at the time of recording. Click here for full episode and credits.

Andréa Moraes, Clóvis Dias Massa

Apresentação dos artigos do número 33 da Revista Cena, publicação sobre as inter-relações entre arte e trauma. Entende-se trauma como ferida, violência, derrota, desastre, choque psicológico, choque emocional, sofrimento, agonia. Esses e outros conceitos derivados são do interesse de um arco cultural que abrange inquietações da psicanálise à sociologia, incluindo manifestações de todas as artes e a teoria que é feita sobre ou a partir delas. Implica também a resposta que pode ser dada à angústia. O ano de 2020 trouxe ao mundo o enfrentamento médico, socioeconômico e emocional às coerções sanitárias da pandemia Covid-19, do isolamento social às perdas de qualquer natureza e suas contingências. Em todos os continentes a ansiedade prosseguiu seu curso, acompanhada do necessário amparo simbólico – para o qual as artes, a comunicação e a criatividade contribuíram programaticamente –, mas não o encontrando de modo pleno quando interditada pelo choque ético e moral causado pelo negacionismo e as condutas consideradas diversionistas ou antissociais. Da Peste de Atenas aos conflitos fratricidas do presente, dos textos sagrados ao imaginário pós-apocalíptico em produtos culturais, do eu ao outro, a arte se fez e se faz presente, espontânea ou induzida, construindo mundos.

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Melina Scialom, Isabela Berto Tescarollo

A poética diversificada da dança contemporânea tem possibilitado o desenvolvimento de uma ampla gama de investigações acerca do processo criativo nesta prática estética. Dentre elas reside um questionamento sobre as atividades corporais realizadas pelos dançarinos para treinar ou preparar o corpo para a criação. Este artigo faz parte deste universo, priorizando as práticas que estão além do trabalho técnico e criativo centralizadas dentro do estúdio de dança. A partir da análise de um processo de criação de um solo em dança contemporânea, este artigo descreve e analisa as atividades de preparação corporal e de sensibilização poética realizadas pela intérprete-criadora em seu cotidiano e o como estas influenciaram a dramaturgia da criação. Concluímos que é através do pensamento dramatúrgico e sua prática de organizar as intensidades e energias geradas nos trabalhos corporais da performer que a coreografia é elaborada. Assim, a discussão realizada ao longo do artigo associada ao pensamento de Behrndt (2016), Scialom e Fabrini (2019), Gouveia (2012), Ostrower (2014) e Louppe (2012), defende a descentralização do processo criativo do estúdio de dança para incluir o cotidiano da artista-criadora como constituinte da criação, evidenciando os procedimentos utilizados para tal.

Piotr Dobrowolski

This article discusses the book Theatre and Citizenship: The History of a Practice by David Wiles (Cambridge 2011), which inspires reflection on the historical and current role of theater practice in the promotion of civic ideas. The critical analysis is initiated by questions about the changing nature of social bonds in the age of digital communication. In the perspective of today’s atomized society, the recognition of the communal character of the aesthetic and ethical experience of theater appears somewhat archaic. However, it is important from a historical point of view, demonstrating the sources of beliefs about theatricality, which have determined audience expectations of the performing arts to this day. Wiles’s historical presentations are an inspiring starting point for a critical discussion on the politicality of the theater and the significance of its institutional organisation.

Alex Rodrigues Machado, Nara Waldemar Keiserman

O artigo apresenta uma indicação artístico-pedagógica para o artista circense, que se dá com base nos princípios, conceitos e práticas do Sistema Laban/Bartenieff. A observação de alunos e alunas da Escola Nacional de Circo Luiz Olimecha, no Rio de Janeiro, um microcosmo significativo do circo no Brasil, fez ver a dicotomia, comum no campo circense - e não apenas na Escola, mas também em outros espaços de ensino assim como entre artistas profissionais - que distingue procedimentos técnicos de artísticos. Elementos do Sistema Laban/Bartenieff mostram-se eficientes na solução de tal dicotomia, por oferecerem referenciais que sustentam as duas instâncias, permitindo que se elabore uma metodologia em que são superadas as lacunas entre técnica e arte, treinamento e criação.   Palavras-chaves Pedagogia circense. Treinamento e Criação. Sistema Laban/Bartenieff.

UBACyT Los trabajadores del espectáculo en Buenos Aires: la especificidad laboral...

Inés Stranger

El texto aborda el análisis del teatro chileno realizado durante el primer gobierno de la transición política (1990-1994) y problematiza el hecho de que siendo un teatro muy creativo y renovador de los lenguajes escénicos, un teatro que estaba presente en la sociedad, que tenía prensa, público y críticas, no abordara directamente ningún aspecto de la contingencia política, ni el fin de la dictadura. El texto propone el análisis de los elementos estructurales de las historias contadas en cuatro obras emblemáticas que permitiría comprender el relato común, difuso y estructurante, lo que haría visible su contribución a la diversidad del discurso cultural de la época.

Stefan Münch

The convention of the happy ending in opera librettos, which had reigned supreme virtually since the beginnings of the genre until the rise of grand opera, was a result of theoretical reflection as much as of the preferences of the audiences. There was virtually no story (the most popular Biblical, mythological, historical and literary motifs included) that a skillful librettist could not conclude with an elegant lieto fine. Christoph Willibald Gluck composed two operas about Agamemnon’s daughter as the main heroine, i.e. Iphigénie en Aulide (1774) and Iphigénie en Tauride (1779). Both were premiered by the Parisian Académie Royale de Musique. Through references to the successive stage embodiments of Iphigenia (by Euripides, Racine, Du Roullet, Guillard) and taking into account the operatic context of earlier works by Jommelli, Traetta, Campra, and Desmarets, we can see how Gluck combined the key premises of his opera reform with the tradition of lieto fine, which the audiences of Paris and Vienna had come to expect. The aesthetic of Iphigénie en Tauride garnered much praise from representatives of the Sturm und Drang generation as well.

Yudi Sukmayadi, Arif Purnama

Model Pembelajaran Komposisi Musik Sekolah Melalui Pemanfaatan Perkakas Tangan. Artikel ini mendeskripsikan model pembelajaran komposisi musik sekolah dengan memanfaatkan perkakas tangan sebagai media kreativitasnya. Penelitian yang dilakukan di Sekolah Menengah Kejuruan Negeri (SMKN) 12 Bandung ini  mengungkap tentang rancangan, implementasi, dan efektivitas model pembelajaran, serta upaya pencapaian tujuan untuk meningkatkan dan mengembangkan kompetensi musikal siswa. Penelitian ini menggunakan action research. Data dikumpulkan melalui  observasi, wawancara, studi dokumentasi dengan berbasis pada kegiatan eksperimen musik. Hasil penelitian menunjukkan bahwa model pembelajaran komposisi musik sekolah dengan mendayagunakan keunikan sekolah kejuruan yakni penggunaan perkakas tangan sebagai media kreativitas siswa, sangat efektif dan efisien dalam mengembangkan proses pembelajaran seni musik, khususnya dalam membangun dan mengembangkan kompetensi musikal siswa.

Revista Cena

Purificació Mascarell

La tensión sexual presente en el texto de El perro del hortelano de Lope de Vega, entre la condesa de Belflor y su secretario ha tenido diferentes plasmaciones escénicas a lo largo de la historia de su representación e, inclusive, una paradigmática traslación cinematográfica en la célebre película de Pilar Miró (1996). En el siglo XXI, dos de los mejores montajes de este clásico rivalizan en su interpretación del erotismo subyacente en el texto. Por un lado, la veterana actriz y directora Magüi Mira, con la productora privada Pentación, apuesta por desatar a Lope y a sus personajes en una hilarante vorágine de locura pasional. Por otro lado, Eduardo Vasco, como despedida de su cargo de director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, escoge el título de Lope y lo recrea en una atmósfera de erotismo contenido y esteticista. El presente artículo pretende enfrentar estas dos lecturas de la obra lopesca para observar los diferentes matices eróticos que se desprenden del original del Fénix y posibilitan puestas en escena tan divergentes como válidas.

Eleni Tranouli

No abstract available. This review essay was originally published by Parallel Press, an imprint of the University of Wisconsin-Madison Libraries, as part of The International Journal of Screendance, Volume 3 (2013), Parallel Press. It is made available here with the kind permission of Parallel Press.

Erlon Cherque Pinto

O parágrafo inicial de caráter é propositalmente falsificador ou suspeito, efeito este alinhado com o exame traçado nesse artigo em torno de possíveis sinais de tensionamento do gênero teatral na blognovela de Gerald Thomas. O referido encenador elaborou um acontecimento cênico especificamente para difusão em seu blog. Nos tempos atuais, a internet assume função dupla e auto-reflexiva: parte integrante do real e sua representação, simultaneamente. Ao tempo progressivo e ao lugar inerte somam-se as complexidades da temporalidade aleatória-simultânea e da espacialidade instável. As concepções atuais de espaço e lugar, elementos organizadores da natureza teatral tornam difícil (e ineficaz) a tarefa de estabelecer ou delimitar o gênero dramático. De certa maneira, o tensionamento enquanto eixo de análise para o espetáculo destaca seu potencial de ato criativo: de manifestação estética isolada a um programa estético-teatral marcado pela desinstitucionalização da Arte. Por esse viés, a diversificação de níveis de tensão constitui linhas de fuga em relação às categorias pré-existentes. Essas trajetórias propõem-se temporárias e em diálogo com certos resquícios de valores tradicionais, ainda que para o questionamento. A opção pelo termo blognovela exerce ação sobre o gênero teatro: se recusa a especificidade, paradoxalmente, recorre à forma diálogo e apresentação diante de uma plateia em tempo real ao menos uma vez. Destaca-se uma possível elaboração espetacular em que os relacionamentos entre as configurações tempo-espaço atuais e o gênero teatral dão-se em meio a camadas de tensão deliberadas e necessárias.

Almir Ribeiro

El teatro de objetos explicita la íntima relación entre el teatro y la muerte, donde cuestiones arquetípicas y primitivas conviven con vanguardismos creando interfaces con diversas vertientes y lenguajes artísticos. Edward Gordon Craig, desafiando substituir el actor por una Supermarioneta, rescató las formas animadas, sus expresividades, visualidad y técnica, redimensionando así también el trabajo del actor.  

Natalia Di Sarli, Gustavo Radice

En el campo teatral, la representación del discurso de género establece una doble dimensión: por un lado la que refiere a los cuerpos en acción (en relación a la serie social) y por otro lado la que define al cuerpo como materialidad discursiva del género que permite la transferencia simbólica de pautas y normas sociales. A través de la poetización teatral, se modeliza y determina la materialidad del cuerpo como limite del discurso social sobre género y los alcances de su condición "“normativa"”. En diversos momentos del Teatro Argentino, esta noción de cuerpo se utiliza como metáfora del revés de la sociedad y emerge las contradicciones que de ella desprenden.

Magdalena Raszewska (oprac.)

Materiał archiwalny zawierający kilka dokumentów wybranych z obszernych akt Ministerstwa Spraw Wewnętrznych zgromadzonych w związku z Dziadami, Kazimierzem Dejmkiem i Związkiem Literatów Polskich, przechowywanych w pięciu teczkach w Instytucie Pamięci Narodowej. We wstępie autorka opracowania opisuje zawartość tego różnorodnego zbioru obejmującego m.in. raporty milicyjne, zapisy podsłuchów, notatki władz partyjnych, donosy oraz skonfiskowane listy. Dokumenty ilustrują metody oraz stopień inwigilacji środowiska artystycznego w latach 1967–1968.