Hasil untuk "The performing arts. Show business"

Dulcinea Segura

El artículo plantea un análisis de algunos elementos de las obras de danza del grupo independiente argentino El Descueve (1990-2006)[1] y la recepción a través de los medios de comunicación, desde la perspectiva de los afectos planteada por Sara Ahmed (2015). Consideramos que aquello emocionalmente significativo puede dejar una huella en la memoria, que se entrelaza con las emociones y el cuerpo construyendo identidad. En Argentina, esa identidad está vinculada con las consecuencias afectivas, sociales y políticas en la población. En la observación de las propuestas, nos focalizamos en la manera que el grupo expresa los vínculos en las relaciones humanas mediante el uso del cuerpo desnudo, parcial o totalmente, y su gestualidad, así como una serie de acciones que generan diferentes niveles de tensión entre el erotismo y la violencia en las escenas. Las obras de danza dialogan con su contexto, por eso nos preguntamos si las escenas seleccionadas podrían pensarse como una denuncia inconsciente sobre la obscenidad de la política neoliberal que se puso en práctica en la época de representación de las obras, o si las acciones violentas que se observan en las coreografías son producto de la expulsión de emociones reprimidas durante la última dictadura.   [1] Icónico grupo de la escena de la danza independiente de Buenos Aires conformado por Ana Frenkel, Mayra Bonard, María Ucedo, Gabriela Barberio y Carlos Casella.

Cleber Rodrigo Braga de Oliveira, Ricardo Bertola Nolasco da Silva

No presente ensaio, os autores realizam uma autoetnografia sobre suas trajetórias na arte do cabaré, propondo um entrelaçamento de memórias, afetos e reflexões críticas que abarcam o período de quase duas décadas. Em sintonia com a Pedagogia da Encruzilhada, de Luís Rufino, é forjada aqui a noção de Cabaré-Encruzilhada: uma perspectiva cabareteira interessada no imbricamento das relações entre arte e vida, cultura popular e erudita, teatro e cidade. Por consequência, é possível constatar que está escrita não se restringe aos conteúdos autobiográficos que a disparam, enunciando a prática do cabaré enquanto fazer minoritário e burlando o universalismo e o racionalismo acadêmico.

Mlondolozi Zondi

If it is true that performance remains, what do we make of these remains when subsumed into the house of culture such as the museum? Beyond reiterating the storied debates about the ontology of performance as (either) disappearing and/or remaining, I maintain, through a reading of Nelisiwe Xaba’s dance work entitled Sakhozi Says “Non” to the Venus (2010)that the machinations of antiblack capitalism co-opt all sides of the debate. In this case, an argument previously made about performance ephemera’s resistance of capital now endows capital. That is, while those non-reproductive and immaterial aspects of performance may have promised a way out of capture, it is precisely that refusal which becomes attractive for institutional possession and co-optation. Both the non-reproductive and reproductive accounts of performance’s ontology are susceptible to capture. I focus on dance performance to present a broader understanding of what counts as (immaterial) remains in performance theory and archival studies. This is also to draw attention to the renewed mode of salvaging ownership of repatriated African objects by inviting African performers to surrogate, or act as substitutes for those remains/materials and in the process, restoring white psychic rehabilitation and redeeming enduring European colonial violence.  

Márcio Marques de Carvalho

Este artigo apresenta uma breve biografia de Alfred Jarry, que embora seja conhecido no Brasil como o autor de Ubu Rei, foi um artista eclético cujas influências se desdobram nos campos do teatro, da literatura, do desing gráfico, das artes visuais e do que viria a ser a performance. São contextualizadas algumas de suas inovações na literatura, no design e na encenação teatral. São apresentadas informações de seu contexto familiar, de sua vida escolar, e de como através de um modo de vida excêntrico construiu para si uma imagem espetacularizada.

Jakub Chachulski

This article refers to Zbigniew Raszewski’s findings regarding Wojciech Bogusławski’s acting roles in Lviv productions of the opera Amazonki (Amazons), the first joint work of Boguławski as librettist and the composer Józef Elsner. Based on incomplete information from Bogusławski’s Dzieła dramatyczne (Dramas), Raszewski concluded that the librettist played the Greek king Agenor. The analysis of the musical and literary elements of the opera generally confirms this, but it also suggests significant fluctuations in the author’s casting ideas. The aim of the article is to identify Bogusławski’s personal traces in the roles of both Agenor and Strabo. Hypotheses are also put forward regarding the moment in time and the reasons for changing the casting concept. The article expands the research on Bogusławski’s creative biography as an author, actor, and singer, using textual criticism (musical and literary sources), analyzing the cast in light of relevant operatic conventions, and employing analytical and interpretative tools of musicology and literary criticism, as well as comparative studies, to link fragments of the opera with Mozart’s The Magic Flute. An important methodological premise is the hitherto neglected possibility of using musicological tools in research on Bogusławski’s work and creative biography as a man of opera.

Al Evangelista, Alen Agaronov, André Dramé et al.

Angela Viora, “Phenomenology of big hair caught up in the wind at night” (2:25); Al Evangelista, “How to dance with Filipinx ancestors?” (4:42); Sonia York-Pryce, “Sôma” (4:48); Claire Vionnet and André Dramé, “Dereskina” (5:39); W. Donnie Scally, “Reconfiguring sensory experience: The sounds of 100 rounds of karate shadowboxing” (6:00); Alen Agaronov, “Meeting the definition of human subjects research: A case study” (7:00).

Kathryn Logan

No abstract available.

Agnieszka Wanicka

This article discusses an unrealized photographic project by Michał Chomiński (1819–1886), an actor and chronicler of the Warsaw State Theaters. Based on primary sources (partly included in the appendix), this reconstruction of the hitherto untold story of Chomiński’s Gallery of Dramatic Artists of Warsaw Theaters broadens our knowledge of the beginnings of Polish theater historiography. Chomiński is shown as the first collector of theater iconography who appreciated the documentary value of the photograph. The methodological framework of the article is based on selected aspects of research on collecting practices from the perspective of cultural studies.

Vivian Vieira Peçanha Barbosa

O artigo indaga a ideia de continuum interior-exterior a partir das noções labanianas de dance sense, movimento-pensamento, Impulso Interno [Antrieb] e Esforço como modo de refletir aspectos cruciais ao processo de criação coreográfica autoral de Reversa. Foco da pesquisa de doutorado defendida pela autora em 2019, Reversa traz como uma de suas questões o tensionamento entre dentro e fora, visível e invisível, ponto em que o pensamento de Rudolf Laban sobre as qualidades relacionais do corpo em sua visão holística se mostrou relevante. Destaco no texto a discussão sobre modos de compreender e complexificar a relação entre vida interior – em seus particulares movimentos, sensações, sentimentos, impressões – e gesto, fundamentada principalmente em aspectos pontuais do pensamento labaniano e na experiência pessoal com a criação e apresentação de Reversa.   Palavras-chaves Dance sense. Movimento-pensamento. Impulso Interno. Esforço. Criação Coreográfica.

Ricarda Franzen, Sophie van Balen

This guest edited journal issue follows on from the Performance Philosophy Biennial 2019 in Amsterdam. Featuring a wide range of research and contribution styles, reworked and elaborated further for this issue, contributors consider alternative ways of ‘intervening’. The central suggestion to rethink ‘intervention as intoxication’ resonates throughout all articles, highlighting the embodied, entangled, and aesthetic dimensions of intervention. Some of the contributors go on to consider intervention as subversion of institutions beyond the well-known discourse on institutional critique.  In this editorial, in addition to introducing the authors, the editors and Biennial organizers characterize alternative ways of intervening in this issue as a search for humble ways of responding to socio-political issues and as a positioning of new knowledge(s). By way of opening, the editors recommend to consider listening as intervention, along the lines of Gemma Corradi Fiumara’s notion of ‘apprentices of listening’(1990, 57).

Rodrigo Peixoto Barbara

Objetiva-se com essa escritura propor um agenciamento entre os conceitos: ‘Desejo’, de Gilles Deleuze e Félix Guattari, e ‘Crueldade’, de Antonin Artaud. Desse agenciamento, disporemos outro conceito, o de ‘Desejo Cruel’, além de investigar como que este se faz presente na performance do Corpo sem Órgãos. Esse estudo vem, contudo, para torcer/distorcer os conceitos aqui propostos no intuito de estabelecer conexões/rizomas dentro de um contexto filosófico/artístico da Diferença.

Irina Lappo

The article offers an interpretation of the significance of Juliusz Osterwa’s stay in Samara (July 1915 to February 1916) for his artistic development. This interpretation is based on a reading of personal papers: the Samara Notebook, a letter to Kornel Makuszyński, dated 1915, and Osterwa’s memoirs from the 1930s. The picture of the artist’s time in Samara emerging from these sources is complemented by the findings of Russian historians, reconstructing the fate of Polish refugees during the First World War. The juxtaposition of the image of Samara found in historical works with the image sketched in Osterwa’s notes reveals a mechanism of concealing painful experiences with mental constructs in the artist’s auto-narratives. The article puts forth the hypothesis that Osterwa’s stay in Samara engendered a serious existential crisis, which was overcome in December 1915 thanks to a nativity play produced together with Wincenty Drabik. The Samara sadness allowed Osterwa to distance himself from his star status. The clash with foreignness sharpened his cultural awareness and gave him a new perspective. The Christmas performance enhanced his understanding of the social function of the theatre as a place of overcoming an identity crisis.

Revista Cena PPGAC

Franck Waille

La reconstruction des enseignements pratiques (pour le corps, et encore plus la voix) de François Delsarte relève d’un vrai défit méthodologique : si ces enseignements ont joué un rôle déterminant dans l’émergence de la modernité des arts de la scène, des pratiques psychosomatiques et de l’éducation somatique, ils ont essentiellement été transmis de manière « orale », de maître à élève. Et ils ont été, pour une part, perdus. C’est à partir des éléments de transmission textuelle, associés à une pratique de la danse moderne, du théâtre et des approches somatiques, qu’il est possible d’en retrouver une compréhension aussi proche que possible de leurs versions d’origine, sans avoir la prétention de pouvoir revenir à celles-ci. D’autant plus que les très nombreuses nuances que Delsarte introduisait dans son enseignement invitent à une dynamique ouverte : non chercher « la lettre » mais « l’esprit » de son travail, dans une perspective de renouvellement constant. Cette démarche est celle de la recherche de Franck Waille, qui ne cesse de s’affiner depuis le début des années 2000. Elle concerne différents éléments de la Méthode somatique expressive de Delsarte. Cet article présente une mise à jour concernant les attitudes des jambes, favorisée par la rencontre avec la recherche de Clóvis Massa sur Delsarte faite au début des années 1990.

Lila Insúa Lintridis

Este artículo propone un recorrido por las prácticas escénicas, arquitectónicas y artísticas que han tomado la ciudad como un elemento que posibilita la intervención en la construcción de ciudadanía en el contexto de la posdemocracia y las nuevas institucionalidades.  A través de algunas prácticas artísticas que transmutan nuestra percepción del barrio, los cuerpos que son amplificados en el paseo por el entorno público, la ciudad aparece como otro agente interlocutor con el que dialogar. El artículo revisa algunos dispositivos de los que se valen los creadores, la ocupación de espacios públicos y otras formas capaces de alterar, desde la práctica preformativa, el modo en que habitamos. 

Emma Meehan

Neste artigo, vou examinar a relação entre movimento e linguagem na minha prática de Movimento Autêntico, enfocando o escrever para e sobre a performance. Embora práticas somáticas como o Movimento Autêntico promovam a integração corpo-mente e muitas vezes usem a reflexão baseada na linguagem sobre a experiência, frequentemente encontro perspectivas conflitantes na relação entre corpo e linguagem nos contextos nos quais eu trabalho. A fim de investigar ideias de divisão e integração entre movimento e linguagem, abordo uma performance como projeto de pesquisa chamada Speak (Falar). Trabalhei com o “texto encarnado” de Janet Adler como estratégia para a exploração. A partir desse procedimento, que é um aprofundamento do processo de estudo e prática com palavras em Movimento Autêntico, propus a pergunta: Qual é a relação entre movimento físico e linguagem na prática de Movimento Autêntico? No entanto, a prática como pesquisa também revelou problemas ao trazer partituras pré-ensaiadas do Movimento Autêntico e ao propor a escrita enquanto  performance. Como resultado, proponho ideias de conversa e diálogo como uma forma de intercâmbio entre linguagem e movimento na prática e na performance de Movimento Autêntico. Em termos mais gerais, este projeto me levou a investigar métodos de Movimento Autêntico que possam sustentar discussões sobre performance baseada em movimento na prática como pesquisa. Com a ênfase na integração corpo-mente e na articulação da experiência em Movimento Autêntico, a abordagem poderia oferecer métodos para o crescente número de praticantes-pesquisadores que entram na academia interessados em questões de reflexão sobre a prática do corpo através da escrita.

Kent Sjöström

Tradução escrita da palestra realizada em Porto Alegre, como parte do evento "O corpo e o virtual: perspectivas de relação entre ator e tecnologia", promovido pelo Programa de pós-graduação em Artes Cênicas PPGAC/UFRGS em 23/11/2015. A palestra aborda reflexões sobre diferentes pontos de vista no que tange a discussão metodológica do ator sobre a função de uma personagem, em relação a "verdade interior" ou essencialismo; fragmentação da personalidade; diferentes pontos de vista sobre personagem, papel, figura; o papel da ação física em representação cênica; o papel social da mídia na criação de personagens, mais ou menos artificial ou autêntico; etc. Tudo isso pode ser alargado numa discussão teórica sobre identidade e representação.

Sergio Nunes Melo

Este artigo se baseia nos relatos do próprio Dario Fo e nas pesquisas de Antonio Scuderi (2000), Tom Behan (2000) e Tony Mitchell (2014) para demonstrar o caráter improvisacional, popular e político da obra dramatúrgica de Fo. Para tal fim, o artigo discute o teatro de Fo através da exposição e análise de trechos de um dos trabalhos mais recentes do autor: a palestra-espetáculo Picasso Nu (Picasso Desnudo - 2012). Nesse espetáculo, Fo e sua esposa, Franca Rame, ambos com mais de oitenta anos de idade, improvisaram a partir de um roteiro pontuado por projeções de imagens de Picasso, seus quadros, seus interlocutores e suas histórias. O artigo também demonstra como a personagem histórica Pablo Picasso e seus interlocutores servem de pretexto para que Fo desnude o seu próprio fazer artístico.

Lupi Anderiani

Panting is a musical practice of South Kalimantan, Indonesia. The term "Panting" itself either the name of a plucked-lute instrument and of a musical ensemble. Such ensemble emerged ca the 1980s among the Barikin people of South Kalimantan. This study, using the ethnomusicological approach which is emphasized on fieldwork, is aimed to examine the emergence and change of Panting music. Based on the analysis, it appears that the emergence of Panting music is primarily caused by a creative act of its pioneer in response to the existing musical practices. The music is undergoing a number of changes in terms of the functions of music, performance, construction of panting instrument,  and pattern of transmission. These changes are mainly due to the personal desire of the musicians as well as the allowances of surrounding cultural circumstances. Panting merupakan sebuah praktik musik yang berasal dari Kalimantan Selatan, Indonesia. Istilah “Panting” memiliki dua arti, yakni, pertama, sebagai nama sebuah instrumen berdawai yang dimainkan dengan cara dipetik; dan, kedua, nama dari sebuah ansambel musik. Musik Panting muncul sekitar tahun 1980-an. Penelitian ini menggunakan pendekatan etnomusikologis dengan menekankan pada kerja lapangan, bertujuan untuk menelaah kemunculan dan perubahan musik Panting. Berdasarkan analisis, terlihat bahwa musik Panting terutama muncul sebagai hasil laku kreatif seniman pelopornya dalam menanggapi praktik-praktik musik yang sudah ada. Dalam perjalanannya musik ini mengalami sejumlah perubahan, yakni dalam hal fungsi musik, bentuk penyajian, konstruksi instrumen, dan pola transmisi. Perubahan ini terutama disebabkan oleh keinginan personal para musisinya dan juga kondisi lingkungan kultural yang memungkinkan.

Tom Lopez

No abstract available. This article was originally published by Parallel Press, an imprint of the University of Wisconsin-Madison Libraries, as part of The International Journal of Screendance, Volume 2 (2012), Parallel Press. It is made available here with the kind permission of Parallel Press.