This article discusses the contribution of Dynamic Postural Reorganization (DPR) to the scenic body from the perspective of theater and dance artists. The study develops a dialogic approach to this somatic technique and shows how, in their perception, sensorimotor and affective-cognitive propositions promote sensory refinement, scenic presence, and the activation of states of awareness. Special emphasis is placed on the work with slow tension, the technique’s main strategy, which, in addition to expanding tonic and expressive resources, facilitates the transit between the scenic material and the somatic work. The issue of autonomy in the relationship with somatic techniques and practices is revisited to conclude that this is a hallmark of DPR, reaffirming its potential to generate individual and collective agency, with strong applicability to the investigation of the scenic body.
O artigo explora a relação entre poder e vulnerabilidade no contexto do burlesco, um domínio artístico multifacetado que burla normas e convenções. O objetivo deste estudo reside em desvelar as complexas interações entre o corpo nu da mulher e as performances burlescas, destacando como essa interação suscita questões profundas sobre o binômio autonomia feminina e amarras patriarcais. O artigo se situa no âmbito das artes cênicas, escrito por um grupo de autoras que tem como metodologia aspectos e ferramentas de estudos etnográficos. O objetivo é o de analisar como as artistas burlescas navegam nesse cenário cheio de paradoxos e desafios. Através dessa investigação emergem conclusões que revelam o burlesco como um espaço de resistência e de ressignificação de paradigmas, onde o poder é dinâmico.
Este ensaio, fruto do Seminário de Teorias das Artes Performativas, tem como objecto o espectáculo Orlando, encenado pela britânica Katie Mitchell e que esteve em digressão em Lisboa em Abril de 2023. A partir do texto de Virginia Woolf que inspira o espectáculo e da crítica feminista assente em Jill Dolan e outras leituras de suporte, reflecte-se sobre o modo como o espectáculo se insere na carreira já prolongada de Mitchell (a sua própria estética) e, num sentido mais amplo, como este espectáculo em particular pode abrir caminhos para um questionamento sobre mimese, teatralidade e o lugar do espectador. Neste sentido, é feita uma proposta de leitura, análise e reflexão sobre um espectáculo, partindo do lugar da espectadora que é simultaneamente autora deste ensaio. É, por isso, um ensaio de auto-teoria e feminista.
Бұл мақалада музей коммуникацияларын жылжыту мен
жарнамалаудағы жаңа digital-marketing құралдарының ролі
жан-жақты қарастырып, талдау жасалған. Шетелдік музей
мамандарының осы саладағы маркетингі бойынша
көзқарастары қарастырылып, жаңа диджитал маркетинг
технологияларының музей коммуникацияларын дамытуда
және мақсатты аудитория жинаудың негізгі бағытына талдау
жасалған. Осы бағыттардың негізі ретінде іс-шаралар
маркетингін қарастырып, толығымен мәні ашылып жазылған.
Сонымен қатар медианы пайдалануға байланысты музей мен
келушінің өзара әрекеттесуінің 5 кезеңін анықтап, оларды
қалай қолдану керектігі туралы ақпарат жазылған. Соңында
әлемдегі ең ірі музейлердің сандық және қашықтық
технологияларды қолданудағы негізгі үрдістеріне талдау
жасалынған.
The performing arts. Show business, Dramatic representation. The theater
Yesenin’s innovation as a playwright was clearly manifested in the fact that he combined the features of poetic and theatrical art in a dramatiс poem “Pugachev,” putting forward the idea of the supremacy of the sounding word. The combination of philological and theatrical approaches in the analysis of the work shows that the word in Yesenin’s drama includes all the main means of theatrical expressiveness. The monologues of the heroes of the poem contain decorations, light and sound effects; the words of the participants in the action characterize the peculiarities of the mise-en-scenes. All these theatrical effects are created exclusively by poetic means. This confirms the idea of the synthesis of theatrical and poetic art in the poem, reveals the concept of “theater of the word” and the stage potential of the work in a new way. The article concludes that Yesenin is the playwright, who is well acquainted with the theatrical searches and experiments of his time, when the director’s reading of the play and the expressive possibilities of its stage implementation came to the fore. Yesenin is the “director of the word.”
This article proposes to compare two oral poetic genres, cantoria and slam, from the perspective of performance art, exploring their similarities and differences. Based on performance art studies and reference works on the two genres, thought of as a poetics that constitutes itself as a technique, it is proposed to consider the body’s use as a technical object (Mauss, 2003). The importance of the improvisation in cantoria and the unprecedented feature of slam are emphasized, while the aim is to highlight the scenic character of the two poetic acts marked by speed and forcefulness in the game. The text points out as a result the verification of this analogy between the two genres based on the scenic character of their performance.
Tendo como objeto de estudo a Dança-Coral e os Coros de Movimento labanianos, o artigo parte da seguinte pergunta: as práticas de coralidade desenvolvidas por Rudolf Laban, sobretudo durante a década de 1930 na Alemanha, podem ser lidas como uma dança de massas? Nesse sentido, o estudo procura, em um primeiro momento, desenvolver o conceito de massa e traçar um panorama histórico do desenvolvimento da Dança-Coral e dos Coros de Movimento em seu auge no século passado. É abordado ainda o contraponto da dança de massas a uma dança de multidão, apoiada no conceito homônimo desenvolvido pelos filósofos Antonio Negri e Michael Hardt.
Palavras-chaves
Dança-Coral. Massa. Multidão. Rudolf Laban.
The article traces vicissitudes and journeys, which involve the Spanish jester Don Geronimo Fonati through several sovereign states of the Italian peninsula, the southern Netherlands, France and Spain in a chronological arc of almost thirty years; a period in which he is officially at the service of the Gonzagas family and Duke Vincenzo I in particular. A foul-mouthed entertainer and an impenitent gambler, don Geronimo was made sign of a certain credit in the major courts of Europe because of his privileged relation with the lords of Mantua until his sudden fall into disgrace, imprisonment and final set- aside.
This paper examines theater shows Play Me by Rodrigo Campos, premiered in Belo Horizonte, and Distancia by Matías Umpierrez and Las Ideas by Federico León, premiered in Buenos Aires. In the three shows, elements of digital media are used to momentarily replace the physical presence of actors. The micro-poetics of these productions are exceptions in the theatrical scene of two cities known for a lively theater scene, in which the coexistence of spectators and performers in the same space is appreciated. As exceptions, however, they shed light on an idiosyncrasy of the theater present in the two cities in relation to the neotechnological scene: the appreciation of coexistence and co-presence despite the absence introduced by the use of novel technologies
<p>A modestly talented actor and playwright, Bartoli acted with his wife Teodora Medebach in the theatre company directed by Antonio Sacco from 1771 to 1777. Sick with tuberculosis, he precociously retired from the stage to become a bookseller. He is renown as the author of the first biographical dictionary of italian actors, published in 1782. Conversely, the majority of his scholarly writings and historical-artistic works remain unpublished.</p>
The process of succession to the office of nakwe tu (village elder) opens up the understanding of a whole ensemble of ideas and practices among the Kassena people of West Africa. This article, based on fieldwork in the Upper East Region of Ghana, aims at exploring the thick meaning of this ritual transition, which is characterized by seemingly discordant principles. A prime example from the chiefdom of Paga is taken into account as a starting point in order to launch an ethnografical strategy that consists in following a series of meaningful connections found on the ground: from the specific tactics of people involved in the process to the final funeral rites, from recourses to divination to unstable definitions of reality, from the belief in dangerous, invisible dwarves to tragic accounts of ritual infanticides.
Anthropology, Dramatic representation. The theater
Este artigo apresenta uma primeira análise dos impactos pedagógicos resultantes de uma experiência de mediação teatral realizada ao longo de cinco anos no Quebec. Os dados produzidos junto a dez jovens de Montreal, participantes do projeto Ter 20 Anos em 2015, dão uma visão da riqueza e da complexidade do dispositivo criado para permitir-lhes um acesso privilegiado à arte. Entrevistas, um questionário e a análise de diversos elementos formam um testemunho dessa trajetória única justamente no momento em que esses jovens se preparam para entrar na vida adulta. Os primeiros resultados, mesmo preliminares, apontam para a importância desse tipo de experiência para jovens em busca de identidade e afirmação.
Rose Whyman (University of Birmingham – Birmingham, Reino Unido)
This article considers the origins of Stanislavski’s system and his insistence that the actor’s skills, like the musician’s, must be honed through daily exercises. Such practice must become the actor’s second nature, as Stanislavski terms it. It also compares what Stanislavski has to say about the skills acquisition with the psychologist William James’ discussion of the role of habit in learning. This raises some problems in theorizing the system today, as it was rooted in the science of more than a century ago, when much less was known about
the mechanisms of memory and learning.
Partindo de uma diferenciação entre o teatro dramático e o teatro não-dramático e ao mesmo tempo problematizando essa distinção, o artigo reflete sobre o lugar do texto no teatro contemporâneo, principalmente no que diz respeito às noções de personagem, de tempo real e ficcional, e do próprio texto enquanto receptáculo simbólico de experiências históricas. Focando na relação entre texto, fala e cena no teatro de Heiner Müller, o ensaio tece uma reflexão sobre a prática teatral enquanto exposição não só de processos textuais, mas principalmente verbais, no contexto da dupla comunicação teatral.