This text is the result of archival research conducted at the Institut national de l’audiovisuel (INA) in Paris. An analysis of the INA archives from the perspective of a Polish film scholar facilitates not only a mapping of the media presence of Polish cinema in French television and radio between 1945 and 1989 but also critical reflections on how an external observer – as represented by the French media – constructed an image of Polish culture, identity, and history. This perspective is particularly significant in the context of a state and a national cinema that operated for decades under conditions of political dependency, restricted access to free markets, and censorship. Research conducted within INA’s archival databases allows for the reconstruction of the evolving French perception of Polish cinema during this period. Moreover, it sheds new light on the function of film as a medium of social communication and as a tool of political semiotics. In this sense, INA emerges not only as a repository of audiovisual resources but also as a mirror reflecting the shifting image of Poland and Polish cinema within the Western media discourse. The text also provides numerous previously unexplored insights for Polish film scholars, particularly regarding Polish filmmakers and their appearances in the French media landscape.
La pratica di Rabih Mroué (1967, Beirut), utilizzando tecniche e media diversi, si pone all’intersezione tra arti visive e teatro, sfidando gli strumenti tradizionali di entrambi. Le opere dell’artista raggiungono il pubblico con una postura impegnata e la sua ricerca spesso prende abbrivio dalla storia recente del Medio Oriente e in particolare del Libano, con avvenimenti come la guerra civile tra il 1975 e il 1990 o il conflitto con Israele dal 1982. La rappresentazione della guerra e della morte hanno spesso un ruolo centrale nelle opere di Mroué. Affascinato dai meccanismi della comunicazione e della rappresentazione nel teatro, nel cinema, nella fotografia, ma anche nei mass media, nell’era di internet e dei social media, a emergere dalla sua ricerca sono spesso triangolazioni e cortocircuiti tra questi strumenti, il loro rapporto con narrazione istituzionale e contro-narrazione, la relazione tra realtà e finzione. Attraverso l’analisi di alcune sue opere, l’articolo intende rilevare l’attitudine di Mroué nell’offrire al pubblico riflessioni sempre acute, volte a evidenziare l’ambiguità delle immagini e dei meccanismi della comunicazione, a proporre spunti di riflessione, mai posizioni determinate. Ciò che l’artista intende stimolare con la sua opera sono infatti visioni critiche che non cerchino mai di ridurre la complessità.
The section is devoted to the biographical profiles of Luigi Duse (1792-1854), Alessandro Vincenzo Duse (1820-1892) and Angela Cappelletto Duse (1833-1875).
Questo studio esplora le reinterpretazioni multimediali dei fan attraverso il cosplaying digitale e il role-playing online, concentrandosi su TikTok e Instagram. Analizzando le pratiche di re-enactment di scene da Twilight e The Vampire Diaries, si indaga sulle dinamiche di identità, interazione e condivisione proprie di queste piattaforme. Attraverso l'analisi di Sherry Turkle, Jean Baudrillard, James Carey, Henry Jenkins e John Fiske, si evidenziano le dinamiche di identificazione mediata e l'iperrealtà emergente su TikTok. Il ruolo del lip-sync come rituale simbolico è esplorato secondo la prospettiva di Erving Goffman. Inoltre, si esamina come il fenomeno del cosplaying digitale si estende ai metaversi come Roblox, creando ambienti interattivi e comunità fan dedicate. La conclusione sintetizza l'impatto della creatività fan sulla costruzione di identità digitali e metaversi culturali.
Rafaela Aline Wenzel, Sandra Regina Simonis Richter (Universidade de Santa Cruz do Sul – UNISC, Santa Cruz do Sul/RS, Brasil)
Resumo – Entre a presença do ouvir, sentidos a escutar – Neste ensaio aproximamos estudos fenomenológicos em torno da dimensão poética da linguagem para abordarmos as ações de ouvir e escutar como distintas à experiência de produção de sentidos. Circunscrevemos um campo para pensar a relação entre corpo e mundo, ritmo e voz, que permita destacar a relevância educacional da experiência estésica da escuta do mundo como ressonância fundante de sentidos que são por nós organizados e expressos em linguagem.
The article comprises a study of the creative work of the Polish director Radosław Piwowarski, represented by his most characteristic films. The author points out the merger of stylized realism and of the nostalgic (or to be more precise – the realism stylized by means of nostalgia) as constitutive for the film style of this film artist. As a result of film analyses, the narrative structures of Piwowarski’s films appear to be memory structures, as they re-create the reality remembered by the filmmaker, who usually chooses the topos of a trip down memory lane to express his personal and subjective point of view. The film’s story becomes the image of the subjective reality, since it is a product of personal memory, consciousness and imagination. Piwowarski refers to the motif of the Valley of Childhood and Youth, vivid and active in the Polish literature and cinema, as an universum closed up in the past and lost forever, which, however, is accessible through the activity of recalling. The director, by the act of re-creation of a world personally remembered, actualizes the collective memory and therefore creates a community of memory with viewers of his films. The screen image of the past reality therefore gains double reliability – as a personal confession and as a record of the past; in consequence, we achieve the esthetical category of realism of memory.
Il testo si propone di analizzare l’attivismo come forma di relazione complessa all’interno di quelle pratiche artistiche che, facendo uso di approcci partecipativi e azioni performative hanno messo in discussione il ruolo dello spazio pubblico. In particolare dopo aver ripercorso il dibattito critico artistico in merito all’autonomia dell’arte e la sua valenza etica attraverso la querelle tra i due critici Claire Bishop e Grant Kester, il testo propone l’analisi di due interventi che hanno ridiscusso lo spazio pubblico nella sua logica di spazio del consenso e della rappresentazione lavorando sulla marginalità delle comunità non rappresentate e non rappresentabili. Gli interventi che verranno analizzati sono: Art. 2 realizzato dall’artista Adriana Torregrossa (Torino, 1999) e Bitte liebt Österreich realizzato dall’artista tedesco Christop Schlingensief (Vienna, 2000). I due interventi in questione verranno soprattutto analizzati alla luce del meccanismo di imprevedibilità del loop di feedback, teorizzato dalla studiosa Erika Fischer-Lichte nel suo Estetica del Performativo (2004) ovvero, l’impossibilità di collegare una determinata azione a una diretta conseguenza dal momento che i due quadri - quello performativo e quello della realtà - non vengono apertamente dichiarati, chiamando di fatto in causa lo spettatore a prendere consapevolezza della sua risposta in base al quadro d’azione che decide di seguire.
Translation of the interview with the costume designer and researcher Donatella Barbieri, published online in the Italian magazine Artribune in 2017, (https://www.artribune.com/editoria/2017/05/intervista-donatella-barbieri-libro-costume-performance), in Italian, with additions by curator and fashion historian Nádia Saccardi, who interviewed her, in addition to the interviewee's own additions to the English version, held in 2019. The text discusses the book Costume in Performance: Materiality Culture and the Body , published after six years of incubation, in 2017. After being nominated for the Society of Theater Research Literary Award in 2018, the book received the award for Best Publication on Scene Design and Scenography, at the Prague Quadrennial 2019.
Keywords
Costume. Theater. Performance. Files. Victoria & Albert Museum.
Two shows mounted by Robert Lepage were cancelled during the summer of 2018, after they were denounced as “cultural appropriation,” mainly by Black people for SLÃV, then by First Nations demonstrators for Kanata. The first play was withdrawn from the programming of the Montreal Jazz Festival after three performances, at the beginning of June, and Kanata, after it had been cancelled by Lepage, was finally reprogrammed by Ariane Mnouchkine in a shorter version, at the Cartoucherie in Paris, starting mid-December 2018.
This article gives an insight into the beginnings and developments of the department of Theatre Studies at the Unviersity of Bergen. Looking back at its 50 years of existence as a subject at the University, professor Tor Trolie charts the changing paradigms of Theatre Studies in Bergen and its relationship to the theatre and performing arts.
Unlike the German, French, and particularly Anglo-American cases, the Dutch theatrical imaginings of colonialism, slavery, and race have been largely neglected by scholars of imperial culture. Looking at two early nineteenth-century bourgeois dramas, Stedman (1805) and Kraspoekol (1800), this article examines the complex nexus between slavery, sympathy, and the self-representation of the white middle class in the Netherlands of 1800. As a genre, bourgeois theater cultivated middle-class ideals of compassion, integrity, and benevolence in order to let spectators sympathize with poor, excluded or abused victims. This article explores the constellation of suffering slave characters in relation to the white bourgeois heroes in the plays and to their middle-class audiences. The central argument will be that bourgeois dramaturgy succeeded in conveying antislavery messages, yet primarily delineated and secured a superior white Dutch identity. Consequently, these dramas are considered as segments of the ‘Dutch cultural archive’, defined by Gloria Wekker as a large reservoir of memories, knowledge, and affects that has been crucial to the creation and continuation of white dominance in modern Dutch society.
A partir da obra de Artaud, evidencia-se um ideário que sugere princípios para uma vocalidade no contexto da performance. Essa vocalidade é baseada em uma noção de glossolalia como conceito vinculado às práticas enunciativas, sobretudo como potência para desarrazoar estratos vocais. Assim, a glossolalia pode agregar valores sonoro-poéticos que desestabilizam aspectos da produção e percepção de sentidos relacionados à voz. Busca-se aqui uma discussão sobre possíveis fronteiras da produção vocal. Serão apropriados conceitos da obra de Deleuze e Guattari, assim como reflexões de Certeau e Pozzo. Os objetivos do artigo importam em suscitar e valorizar aspectos de uma vocalidade glossolálica, visando ampliar as possibilidades do performer contemporâneo, problematizando o contexto de suas práticas vocais.