Se destacan los aportes de Chalena Vasquez desde sus obras teóricas, el derecho a la cultura propia y los procesos de producción artística así como estudios de caso sobre la Danza de Negritos de El Carmen, las danzas de Paucartambo, el carnaval ayacuchano, la biografía del compositor Ranulfo Fuentes y reflexiones sobre luz y sonido en la obra de José María Arguedas.
In recent years, there has been much public debate about the staging of operas that might perpetuate racist and misogynist ideologies. Students who are trained to read such texts in the light of contemporary race and gender politics often find these historical theatrical works shocking. However, what seems regressive to students today sometimes served liberatory ends for audiences and artists in other times and places. When teachers help students interpret such works through a historical lens, they provide insight into the oppressive structures and forms of resistance that have always shaped the production and reception of musical theater. In this essay, we take Giacomo Puccini’s Madama Butterfly (1904) as a case study. We introduce primary and secondary sources that students can examine to better understand the politics of this opera at its premiere and throughout the 20th century. In doing so, we lay out a framework for teaching any piece of music that has meant different things to performers and audiences across time and place.
Music and books on Music, Musical instruction and study
This study considers perceptions of group teaching among classical instrumental music teachers in Swedish art and music schools. Quantitative and qualitative data were collected using a survey of music teachers in a region of Sweden and analysed using a mixed methods approach. Communities of practice and communities of musical practice served as the theoretical framework for both the deductive and the inductive parts of the study. The literature indicates a tension between the demand for more group teaching and signs of reluctance on the teachers’ part. It is found that the respondents in this study value individual teaching over group teaching, but the difference is not as significant as indicated in previous reports: their general attitude to group teaching is in fact slightly positive. The results also show that although teachers generally have extensive training from their higher music education, 61.4% of respondents hoped for continued education in group teaching.
У статті висвітлено культуротворчу місію всесвітньовідомої оперної та камерної співачки (мецо-сопрано) українського походження (Львів), почесної президентки Галицького музичного товариства, професорки співу в університеті Моцартеум (Зальцбург, Австрія) Зоряни Кушплер. Підкреслено значення громадянської позиції вокалістки, як щодо життєдіяльності, так і щодо творчості. Адже попри те, що Зоряна Ігорівна вже понад 15 років є примадонною європейських оперних театрів, вона вносить значну лепту в популяризацію музики своєї Батьківщини. Обґрунтовано активне пропагування співачкою оперної та пісенної творчості українських композиторів і вітчизняної фольклорної музики. Зокрема, нещодавно Зоряна Кушплер видала унікальний для світової музичної культури альбом “Ukrainian InterMezzo / Українське ІнтерМеццо», який уважається першим таким зразком у світі з українським репертуаром для мецо-сопрано у супроводі оркестру. Окрім того, від початку повномасштабної війни в Україні артистка виконала приблизно 40 благодійних концертів у різних країнах Європи. А також Зоряна Кушплер на постійній основі проводить у рідному Львові майстер-класи для молодих вокалістів, у грудні 2023 р. очолювала журі Всеукраїнського конкурсу молодих вокалістів імені В. Сліпака. Проаналізовано контекст формування творчого стилю співачки. Вокальну майстерність Зоряна Кушплер здобувала під керівництвом батька – відомого співака, народного артиста України та професора кафедри сольного співу Львівської національної музичної академії імені М.В. Лисенка Ігоря Кушплера. Саме батьку артистка багато в чому завдячує своїй професійній майстерності, своєму першому успіху на оперній сцені у стінах Львівського національного академічного театру оперу та балету імені С. Крушельницької, багаторічним солістом якого був І. Кушплер. Згодом артистка вдосконалювала вокальний вишкіл у Гамбурзькій вищій школі музики під керівництвом одного із кращих вокальних педагогів, німецько-американської сопрано Юдіти Бекманн, брала участь у майстер-класах іспанської оперної діви Терези Берганци. Виявлено основні вектори культуротворчої місії співачки, які представлені виконавською (участь у різноманітних фестивалях та концертах, запис компакт-дисків з виконанням української музики), педагогічною (проведення майстер-класів для молодих українських вокалістів) та громадською (організація благодійних концертів і гастролей країнами Європи й Америки) практиками.
The study deals with historical, social, cultural, and anthropological
aspects of Roman Catholic liturgical music during the Second Vatican
Council. After the Council’s closure, the determination of the boundary
between sacred and secular music was postponed indefinitely. This was
significantly contributed to by the activities of the Council for the
Implementation of Decisions on the Holy Liturgy, professional church
musicians, and their interaction. Insights into the process of preparation,
Council’s decision-making, and implementation of the decisions in practice
justified the need for an interdisciplinary approach in examining church
music.
The relevance of the article. The relevance of the research topic is determined by the extraordinary popularity of the remote form of joint choral performance in contemporary musical culture. The virtual choir is a fairly new, but already very widespread form of music-making, which is gradually acquiring new characteristics and functions compared to those that were inherent in its early days.
The main factors of the development of the virtual choir phenomenon can be divided into “evolutionary” (the digitalization of art; the interest of performers in new forms of music making; active development of art therapy and inclusive art practices) and “revolutionary” (the COVID-19 pandemic and the Russian-Ukrainian war, which, although more localized than the pandemic, involves a very large number of choirs that have been unable to work as usual).
The latter two factors have led to a quantitative explosion of virtual projects, as well as significant changes in their focus, structure, functions, and composition of performers, etc. that require appropriate scientific understanding.
The purpose of the research is to analyze and systematize existing studies of the virtual choir and to make up a strategy for its comprehensive research.
The methodology. The study of the available scientific literature on the phenomenon of the virtual choir was carried out using the tools of systematic, textual comparative and comprehensive analysis.
The results. The main scientific works on the virtual choir are systematized in four main areas: socio-psychological, technical, didactic and historical. It was found that musicology, choral studies and interpretation aspects have been studied very briefly. Most of the works reveal certain inaccuracies in the presentation of the history of virtual choral performance (except for Сayari), as well as some contradictions in the results of previous studies. In addition, the article raises the question of the conformity of the studied phenomenon with the concept of “virtual choir”.
The scientific novelty. For the first time, the research provides a systematic review of scientific papers about the virtual choir, revealing the current trend towards the study of non-musical aspects.
The practical significance. The materials of the article can be used in practical activities of conductors and choristers, as well as in the educational process of training conductors, choirmasters and vocalists in conditions of remote work.
Conclusions. Scientific comprehension of the phenomenon of the virtual choir is active, but rather limited. Most often, it acts as a certain aesthetic phenomenon that should replace (mostly temporarily) the work of “live” choirs during social cataclysms that limit the possibility of creative communication between people. That is why the most relevant areas of research are socio-psychological and technical. At the same time, many works raise the question of the legality of using the term “virtual choir” for this multimedia activity, which, according to experts, has little in common with both the choir and virtuality. As a matter of fact, the lack of musicological, choral, interpretological investigations, typical for traditional choral activity, revealed within the scope of this study indirectly confirms this idea. The first step on the way to further scientific development of this topic should be a multi-faceted analysis of the current activity of virtual choirs.
Проаналізовано аспекти творчої діяльності представників мистецького середовища прифронтового Харкова. Розглянуто основні її напрями, сфери, наведено конкретні приклади проведення концертів, фестивалів, творчих зустрічей як в офлайн, так і в онлайн-форматах. Означено імена численних учасників цих творчих акцій, що відбувались у місті за період з початку повномасштабної російської агресії до кінця жовтня 2022 р.
Bu çalışma müzik öğretmenliği programı olan üniversitelerin ders paketleri incelenerek ilgili bölümlerde
müzik teknolojileri dersinin mevcut olma durumunu, ders saat dağılımını ve zorunlu/seçmeli olma durumunu
ortaya koyma amacını taşımaktadır. Araştırma nitel veri toplama tekniklerinin kullanıldığı betimsel bir
çalışmadır. Bu araştırmanın evrenini öğrencisi olan 32 üniversitedeki müzik öğretmenliği programı
oluşturmaktadır. 2018 öncesi ve sonrası bilgi paketi ve müzik teknolojileri dersi olan 7 üniversite örneklem
grubunu oluşturmaktadır. Veriler doküman inceleme yoluyla toplanmış ve içerik analizi ile çözümlenmiştir.
Yapılan inceleme sonucunda üniversitelerde 2018 öncesinde daha yaygın bir şekilde müzik teknolojileri
eğitimi verilirken, 2018 sonrasında dersin daha az verilmeye başlandığı, müzik teknolojileri dersinin
“Bilgisayar I ve Bilgisayar II” adı altında verildiği görülmüştür.
The Return of Odeons or Dramatised Reading as Performance
The actor is by tradition a transmitter of texts: this role is not new. However, a discreet but growing phenomenon has made him an explicit mediator of reading books. The ancient odeons, those buildings once dedicated to public reading or music, seem to double the stages of our theatres with an invisible presence. Often the actor, or the director, dramatizes reading, makes a performance of his relationship with the book: the show becomes a dramatized reading. This article endeavours to isolate its distinctive features, in particular: the delegation of the first act of opening the book, the staging of the reading, the principle of interaction, the principle of aperitive selection, and the production of a major affect, the ‘libido legendi’, which in turn induces a particular dramaturgy, where the treatment of thresholds and scansions is of particular importance. In appendix, a testimony by Nicolas Lormeau.
Студия на Поварской (Театр-студия на Поварской), возникшая при Московском Художественном театре, была создана в мае 1905 г. усилиями одного из его руководителей, К.С. Станиславским, и актером В.Э. Мейерхольдом. Н.Н. Сапунов, как нельзя более, был уместен в новой Студии, которая нравилась ему своими постановочными идеями и планами, намеченным репертуаром, в котором главная роль отводилась драматургам – неоромантикам и символистам, поисками новых форм для его сценического осуществления, стремлением к созданию новых принципов театрального искусства. После закрытия студии в октябре того же года, В.Э. Мейерхольд получил приглашение от В.Ф. Комиссаржевской работать в ее театре, который стал центром притяжения новых сил русской культуры. Это предложение было принято режиссером. В.Ф. Комиссаржевскую и В.Э. Мейерхольда объединяло огромное желание прекратить со сценическим бытовизмом и натурализмом, обрести новые театральные формы. Такому мастеру, как В.Э. Мейерхольд, обладавшему удивительным даром зрительно-пластического видения спектакля, нужна была на сцене выразительность настоящей живописи. В театр В.Ф. Комиссаржевской он привлек молодых художников, Н.Н. Сапунова, С.Ю. Судейкина, Б.И. Анисфельда, и не принадлежавшего к этому кругу, но близкого им, В.И. Денисова. Талантливые живописцы, эти молодые мастера были неопытны в вопросах сценической техники, разрешения пространственных задач. Но это и не требовалось В.Э. Мейерхольду. Он освободил декораторов от кропотливой и тщательной работы с макетом и ориентировал их на решение спектакля в чисто живописном плане. В мейерхольдовский период, который длился с 1906 по 1907 гг., в театре В.Ф. Комиссаржевской ведущими художниками были неразлучные друзья Н.Н. Сапунов и С.Ю. Судейкин – ученики К.А. Коровина. В их сценической живописи возникали образы символистской поэтики с ее недосказанностью, туманными грезами и призрачной мечтательностью. Она становилась невесомой, воздушно легкой либо декоративно острой, возбуждающей, построенной на неожиданных сочетаниях изысканных колористических созвучий цвета. В данной публикации автор, основываясь на изучении архивных и библиографических источников, анализирует живопись Н.Н. Сапунова, которая поражает своей удивительной красотой и гармонией, неизбывной декоративной фантазией. Мастер был способен, уйдя от натуры, преображать все видимое, – природу, предметы, – в мир красоты, волнующей, манящей, одушевленной и порою таинственной. Прослеживается творческий путь Н.Н. Сапунова, в таланте которого с его неисчерпаемой декоративностью В.Э. Мейерхольд распознал еще одну особенность дарования мастера – острую ироничность гротескного видения.
Досліджено виховні та педагогічні методи, творчі форми викладання курсу фортепіано для різних музичних освітніх програм у закладах вищої освіти культури. Виділено три складники навчального репертуару здобувачів освіти різних освітніх програм з фортепіано: інструктивні та художні віртуозні етюди, поліфонія і сонатна форма. Визначено особливості викладання фортепіано в межах різних освітніх програм. Запропоновано систему вдосконалення надання освітніх послуг з курсу «Фортепіано». Розглянуто питання розвитку естетичного смаку здобувачів вищої освіти, їхньої здатності оцінювати прекрасне і правильно трактувати нотні тексти, глибоко засвоювати музично-історичні й теоретичні дисципліни естетичного циклу, розширювати художній світогляд.
В статье рассматривается феноменологический подход с предварительным обращением к истории становления феноменологии как направления в философии XX в. Охарактеризованы идеи Э. Гуссерля, сыгравшие важную роль в философии и интерпретации музыки. Новым способом рассмотрения музыки стал не теоретический, а феноменологический анализ, направленный не на само музыкальное произведение, а на акты музыкального мышления, конституирующие его художественный смысл. Отмечена важность феноменологического исследования музыки А. Ф. Лосева, нацеленного на поиск эйдетического содержания в феноменах сознания, на постижение самой сущности музыки. Согласно исследованию А. Ф. Лосева, сущность музыки не может быть высказана, выражена в понятии, она выявляется в процессе непосредственного звучания и в акте восприятия. Определяется роль и задачи феноменологического метода в интерпретации музыкальных произведений, рассматривается понятие времени как внутреннее свойство музыки, являющееся не абстрактной длительностью, а живым и пульсирующим полем для развертывания собственно звукового интонационного процесса. Основная идея статьи заключается в том, что феноменологический метод не универсален, но он позволяет решить ряд исполнительских проблем, связанных с пониманием смысла нотного текста, а также приблизиться к смыслу через феномены восприятия, познать ощущения и чувства, рождающиеся в сознании на основе музыкальных переживаний. В этом заключаются преимущества феноменологического подхода к интерпретации музыкальных произведений.
In this introductory essay, a number of cautionary reminders are suggested for any historian seeking to trace the reception of European music theory outside of its traditional borders. Using a range of examples from Medieval Arabic music theory, Jean-Philippe Rameau’s theory of harmony, and Schenkerian theory, it is shown that a global dissemination and absorption of music-theoretical ideas is rarely a straightforward process of import and export. Perspectives drawn from contemporary theories of cultural transfer and postcolonialism offer some suggestive ways to think about the migration of a music theory across cultures as a more dialogical process in which notions of hybridity and agency play important roles.
//
In dieser Einleitung wird eine Reihe von Zusammenhängen aufgezeigt, die dort zur Zurückhaltung mahnen sollen, wo Historiker*innen versuchen die Rezeption europäischer Musiktheorie außerhalb ihrer traditionellen Grenzen nachzuvollziehen. Es wird gezeigt, dass die globale Verbreitung und Rezeption musiktheoretischer Ideen selten als schlichte Import- oder Exportvorgänge verstanden werden können, wie anhand von Beispielen aus der mittelalterlichen arabischen Musiktheorie, der Harmonielehre Jean-Philippe Rameaus und Heinrich Schenkers Theorie veranschaulicht wird. Perspektiven aus den Bereichen der Kulturtransferforschung und postkolonialer Forschung erlauben es, die transkulturelle Migration einer musikalischen Theorie als einen stärker dialogischen Prozess zu verstehen, in dem die Phänomene der Hybridität und der Handlungsmacht (agency) eine wichtige Rolle einnehmen.
It is a well-known fact that the religious feeling, as a general human feeling, appeared at the same time with the human conscience and reflects in all forms of spirituality. It can be found in all the manifestations of human thinking, in philosophy, science, and arts, since ancient times. Several religious denominations coexist in the Romanian space. In musical terms, they are extremely different as a result of the Byzantine influence, on the one hand, and the Western tradition, on the other. The composers created religious works depending on their own religious affiliation. During the communist period, the religious feeling was suffocated by the Marxist-Leninist doctrine. Since it was forbidden, the composers were left with no choice but "conceal" the religious feeling in their works. All the public could do was to "read" between the lines. Certain composers expressed it using folk poetry or the works of national poet Mihai Eminescu. Others introduced the religious feeling in works with historical subjects and resorted to a blend of religiousness and patriotism. After the fall of communism, the religious feeling could be freely expressed. The women composers display a number of particulars. A woman is usually a mother. She is the one who gives birth, which intensifies the feeling of submission and devoutness to God. Carmen Petra Basacopol is one of Romania's most prolific composers. Many of her works express the religious feeling in a singular fashion. This study aims to draw attention to a number of stylistic and constructive aspects in some of her works inspired by biblical texts.
El presente artículo proporciona una valoración de la información disponible en este momento sobre la interpretación de las canciones artísticas de época romántica, post-romántica y contemporánea en español (poemas en castellano). La canción artística española sólo podrá llegar a formar parte del Repertorio estándar en los conservatorios, en otros programas para el estudio de la música y en la programación de recitales en auditorios en todas partes del mundo, cuando los demás artistas y profesores de música sepan de su existencia y de cómo interpretarla]. Se incluye una evaluación de las herramientas didácticas que tendrían que establecerse para asegurar que este amplísimo y variado repertorio se incluya en las asignaturas comunes de todos los músicos líricos (los cantantes, pianistas y directores).
In those almost 600 Lieds of Franz Schubert, a serious number of them are composed on the verses that belong to Goethe. The clearness of the thoughts that are expressed into Goethe’s poems, the accuracy of the expressing, the deep feeling of which they are penetrated, all these things gave a deciding impulse to the creation that belongs to Schubert. The Lied Erlkönig was composed in 1815. At that time, Franz Schubert was 18 years old. In his creation, this work is numbered with Opus 1, even if this Lied is not his first written creation. The first edition is from 1821. This study presents an analysis of this work.